Форум для коллекционеров, любителей старины, антиквариата и живописи
Сообщения без ответов | Активные темы
Текущее время: Сб ноя 18, 2017 10:21:31



Ответить на тему  [ 1 сообщение ] 
 Краткий словарь художественных терминов. 
Автор Сообщение
Аватар пользователя
Супермодератор

Зарегистрирован: Сб окт 15, 2011 17:47:03
Сообщений: 386

Репутация:

5 [ ? ]

Страна: Украина
Сообщение Краткий словарь художественных терминов.
А


Академизм (франц. academisme), в широком смысле – оторванность от практики, от жизненных реалий; в изобразительном искусстве – направление, сложившееся в художественных академиях 16–19 веков и основанное на буквальном следовании формам классического искусства эпох античности и Возрождения. Способствуя систематизации и унификации художественного образования, сохранению классических традиций искусства, академизм одновременно насаждал систему вневременных, "вечных" канонов, форм красоты, идеализированных образов.


Акварель (франц. aquarelle, итал. acquerello, от лат. aqua – вода), краски, обычно на растительном клее, разводимые водой, а также живопись этими красками. Ее основные качества – прозрачность красок, чистота цвета; размывы и затёки создают эффект подвижности и трепетности изображения, мягкости тональных и цветовых переходов. Живопись непрозрачной акварелью с примесью белил (см. Гуашь) была известна в Древнем Египте, античном мире, средневековых Европе и Азии. Чистая акварель в 15–17 веках служила главным образом для раскраски гравюр, чертежей, географических карт, эскизов картин и фресок, а со 2-й половины 18 века стала широко применяться прежде всего в пейзажной живописи, поскольку быстрота работы акварелью позволяет фиксировать непосредственные наблюдения, а воздушность её колорита облегчает передачу атмосферных явлений. Живопись акварелью занимает значительное место в творчестве Ж.О. Фрагонара, Ю. Робера, Э. Делакруа, О. Домье, П. Синьяка во Франции, А. Менцеля в Германии, Р. Бонингтона, У. Тёрнера в Великобритании и др.


Акватинта (итал. acquatinta, от acquaforte -офорт и tinto – окрашенный, тонированный), метод гравирования, основанный на протравливании кислотой металлической пластины сквозь прилипшую к ней асфальтовую или канифольную пыль. Акватинта создает эффект, близкий к рисунку мягким карандашом; в сочетании с офортом обогащает его игрой тональных и фактурных оттенков.


Акрополь (греч. akropolis, от akros – верхний и polis – город), возвышенная и укрепленная часть древнегреческого города, крепость, убежище на случай войны. На Акрополе обычно находились храмы божеств-покровителей данного города. Наиболее известен Акрополь в Афинах на возвышающейся над городом скале – гармоничный по масштабам построек, гибкий по пространственной организации, органически связанный с естественным окружением ансамбль, созданный под общим руководством Фидия: парадный вход Пропилеи (437–432 до н.э., архитектор Мнесикл), храм Нике Аптерос (449–420 до н.э., архитектор Калликрат), главный храм Акрополя и Афин Парфенон (447–438 до н.э., архитекторы Иктин и Калликрат), храм Эрехтейон (421–406 до н.э.).


Алтарь (лат. altaria, от altus – высокий), жертвенник, первоначально – место для жертвоприношений богам на открытом воздухе. В Древней Греции и Древнем Риме представляли собой отдельные сооружения, часто украшенные мрамором и рельефами. В христианских храмах алтарём называется стол (престол), расположенный в восточной части церкви, на котором совершается во время литургии таинство Евхаристии; в католическом обиходе – также декоративные, в том числе многостворчатые стенки, украшенные скульптурой (см. также Ретабло) и живописью, алтарными картинами. Обычно алтарём называют также всю восточную часть храма, отделенную от молящихся алтарной преградой.


Ампир (франц. empire – империя, собственно – стиль империи), стиль в архитектуре и декоративном искусстве 1-й трети 19 столетия, завершающий эволюцию классицизма. Сложился во Франции в период империи Наполеона I: массивные, подчеркнуто монументальные формы архитектуры, военная эмблематика в архитектурных деталях и декоре (ликторские связки, доспехи, лавровые венки, орлы и т.п.), обращение к наследию архаической Греции, императорского Рима, Древнего Египта служили для воплощения идей государственного величия и воинской мощи (работы архитекторов Ш. Персье и П.Ф.Л. Фонтена; мебель Ф.О. Жакоба). В ряде стран Европы ампир стал выражением идей государственной независимости, отстаивавшейся в антинаполеоновских войнах (творчество Ф. Шинкеля в Германии и др.).


Архитектоника (от греч. architektonike – строительное искусство), тектоника, художественное выражение структурных закономерностей, присущих конструкции здания, композиции круглой скульптуры, объемных произведений декоративного искусства. архитектоника выявляется во взаимосвязи и взаиморасположении несущих и несомых частей, распределении масс, в ритмическом строе форм, в пропорциях, отчасти – в цветовом строе произведения. В более широком смысле архитектоника – композиционное строение любого произведения искусства, обусловливающее соотношение его главных и второстепенных элементов.



Б


Базилика (от греч. basilike – царский дом), тип торгового и судебного здания в архитектуре Древнего Рима, позже – один из основных типов христианского храма в зодчестве Византии, Сирии, в архитектуре романского стиля и готики, Возрождения и барокко. базилика в своей развитой форме – прямоугольное в плане здание, внутри разделенное рядами столбов или колонн на продольные части (нефы); более высокий средний неф освещается через окна, расположенные над кровлями боковых нефов. Перед входом в базилику обычно располагается поперечный притвор (нартекс), а в противоположном конце среднего нефа – полукруглый выступ перекрытой полукуполом апсиды. Базилика с разными по высоте нефами или с более высоким, но лишенным окон средним нефом называется псевдобазиликой.


Барбизонская школа, группа французских живописцев-пейзажистов (Т. Руссо, Ж. Дюпре, Н.В. Диаз, Ш.Ф. Добиньи, К. Труайон), работавших в 1830–1860-е годы в деревне Барбизон близ леса Фонтенбло. Стремились утвердить эстетическую ценность национального ландшафта и обыденных пейзажных мотивов, передать многообразные состояния природы, вибрацию света и воздуха. Работая над этюдом, а иногда и над картиной с натуры, мастера Барбизонской школы разрабатывали методику тональной живописи, богатой валёрами, световыми и цветовыми нюансами, уделяли внимание точной фиксации непосредственных впечатлений. К Барбизонской школе были близки К. Коро и Ж.Ф. Милле, ее традиции повлияли на развитие пейзажной живописи как во Франции, так и в других странах Европы (творчество Я.Б. Йонгкинда в Нидерландах, М. Мункачи в Венгрии и др.).


Барельеф (франц. bas-relief, буквально– низкий рельеф), тип рельефа, в котором выпуклая часть изображения выступает над плоскостью фона не более чем на половину своего объема. Сюжетно-изобразительный и декоративный барельеф – распространенный вид украшения архитектурных сооружений и произведений декоративного искусства; барельефы часто применяются также в оформлении постаментов памятников, в надгробно - мемориальных сооружениях, монетах, медалях, геммах.


Бидермейер (нем. Biedermeier), стилевое направление в немецком и австрийском искусстве 1810–1840-х годов. Название получило позже, по фамилии немецкого обывателя, персонажа стихов немецкого поэта Л. Айхбродта "Biedermaiers Liederlust" (изданы в 1850). Архитектура (главным образом отделка интерьеров) и декоративное искусство Бидермейера, отражавшего вкусы бюргерской среды, перерабатывали формы ампира в духе интимности и домашнего уюта. Для живописи Бидермейера (Л. Рихтер, К. Шпицвег в Германии, М. фон Швиндт, Ф.Г. Вальдмюллер в Австрии), носящей отпечаток романтизма, характерны любовь к бытовой среде, тщательно воспроизведенным деталям, стремление к интимности, задушевности, безмятежной созерцательности.


Бистр (франц. bistre), прозрачная коричневая краска из древесной сажи, смешанной с растворимым в воде растительным клеем. Употреблялась европейскими художниками 15–18 веков для рисования пером и кистью.


Болонская школа, одна из школ итальянской живописи с центром в городе Болонья. Произведения болонских живописцев уже в 14 веке выделялись острой характерностью и экспрессией образов, однако как историко-художественное понятие Болонская школа связывается прежде всего с одним из течений итальянской живописи эпохи формирования и расцвета барокко. Художники Болонской школы конца 16–17 веков (братья Карраччи, Г. Рени, Доменикино), опиравшиеся на несколько внешне воспринятые художественные приемы мастеров Высокого Возрождения, в своих декоративно-эффектных станковых композициях, алтарных образах и монументальных росписях заложили основы европейского академизма.


Брешианская школа, брешанская школа, школа итальянской живописи с центром в городе Бреша. Сложилась в 16 веке, в эпоху кризиса Возрождения. Творчество мастеров Брешианской школы (А. Моретто, Дж. Савольдо, Дж. Б. Морони), испытавших влияние венецианской школы, отмечено поэтическим восприятием жизни, вниманием к жанровым деталям, стремлением к бытовой трактовке религиозных тем; живописной непосредственностью, точностью социально-психологической характеристики отличаются портреты Брешианской школы.


Бюст (франц. buste, от лат. bustum – место кремации, надгробный памятник), погрудное, чаще всего портретное изображение человека в круглой скульптуре. Появился (первоначально как посмертный или надгробный образ) в искусстве Древнего Египта и Древней Греции, окончательно сложился как особый вид скульптурно-портретной пластики в Древнем Риме, где в его композицию была включена подставка. Получил широкое распространение в искусстве Возрождения и нового времени (Донателло, Дезидерио да Сеттиньяно, Л. Бернини, Ж.А. Гудон, О. Роден и др.).



В


Вазопись античная, искусство росписи античных керамических сосудов. Древнейшие образцы вазописи относятся к эгейской эпохе: критские вазы с изысканными растительными узорами ("стиль камарес", 20–18 вв. до н.э.) и живыми лаконичными изображениями морских животных (конце 17–16 вв. до н.э.), строгие по композиции сосуды "дворцового стиля" (конце 15 в. до н.э.) с геометризованным растительным орнаментом, микенские вазы (14–12 вв. до н.э.)со схематичными фигурами людей и животных. В ранней древнегреческой вазописи выделяются протогеометрический (11–10 вв. до н.э.) и геометрический (9–8 вв. до н.э.) стили с подчеркивающими тектонику сосудов полосами ритмичных геометрических узоров, "ковровый" или "ориентализирующий" стиль (7 в. до н.э.) с полихромными изображениями животных и фантастических существ. Наиболее совершенные памятники вазописи возникли в эпохи древнегреческой архаики и классики: вазы чернофигурного стиля с силуэтными изображениями, нанесенными черным лаком на желтую или красную глину (6 в. до н.э.; выделяющиеся чистотой линий, выразительностью силуэтов, эмоциональной насыщенностью сложных сюжетных сцен работы Эксехия, Амасиса и др.), и краснофигурные росписи (изображения цвета глины на черном лаковом фоне; возникли ок.530 до н.э.), прошедшие стадии "строгого стиля" (конце 6 – начале 5 вв. до н.э.; изящные и строгие, при некоторой угловатости рисунка произведения Евфрония, Дуриса, "мастера Брига"), "свободного стиля" (со 2-й четверти 5 в. до н.э.) с вазами, отличающимися естественностью композиции украшающих их сцен, точностью и лаконичностью рисунка, "роскошного стиля" (конце 5 – 4 вв. до н.э.), для которого характерны перегруженность композиции фигурами, нарушение органического единства росписи и формы сосуда. С 3 – 2 вв. до н.э. древнегреческая вазопись постепенно пришла в упадок и уступила место украшению сосудов рельефным декором или накладными орнаментальными росписями.


Валёр (франц. valeur, буквально – цена, ценность), в живописи и графике оттенок тона, выражающий, во взаимосвязи с другими оттенками, определенное соотношение света и тени; система валёров, дающих последовательную светотеневую градацию в пределах какого-либо цвета, позволяет тоньше и богаче показывать предметы в световоздушной среде, достигать особой глубины и богатства колорита, тонкости цветовых отношений и переходов.


Веризм (от итал. vero — правдивый), реалистическое направление в изобразительном искусстве (скульптор В. Вела, живописец Дж. Пеллицца), итальянской литературе (Дж. Верга, Л. Капуана, Г. Деледда), опере (П. Масканьи, Р. Леонкавалло, Дж. Пуччини) конца 19 века, близкое к натурализму; характерны интерес к быту бедняков, особенно крестьян, внимание к переживаниям героев, острые драматические коллизии, подчеркнуто эмоциональный стиль.


Версаль (Versailles), королевский дворцово-парковый ансамбль.
Впервые упоминается в 1075 году. В конце 16 века Версаль был небольшой деревушкой в лесу, где иногда охотился Генрих IV. Людовик XIII построил там охотничий дом, а потом охотничий замок, а в 1632 приобрел и деревушку. Людовик XIV, не любивший Сен-Жермен, решил в 1660 превратить версальский замок в королевский дворец. В 1682-1789 годах Версаль — главная резиденция французских королей. Апартаменты королевского дворца в Версале оформлялись по эскизам придворного художника Шарля Лебрена.
Один из крупнейших в мире дворцово-парковый ансамбль Версаля в стиле французского классицизма вырос из охотничьего замка Людовика XIII (1624, перестроен архитектором Ф. Леруа в 1631-34). В результате нескольких строительных периодов (1661-1668, архитектор Л. Лево; 1670-1674, архитектор Ф. д'Орбе; 1678-1679, архитектор Ж. Ардуэн-Мансар) он был превращен в обширный дворец (длина фасада 576 м) с пышной отделкой парадных и жилых интерьеров (художник Ш. Лебрен, с 1661, и др.). Регулярный парк (площадь свыше 6 тыс. га) с бассейнами, фонтанами и скульптурами.
В основу планировки города Версаля, где селилась знать, легли три дороги (в Париж и к королевским дворцам Сен-Клу и Со), шедшие веером от дворца. Точка соединения этих дорог в курдонере (парадном дворе) отмечена конной статуей Людовика XIV (2-я четверть 19 века, скульптор Л. М. Л. Птито).
Среднюю дорогу по др. сторону дворца продолжает эффектная главная аллея с бассейнами и с Большим каналом (длиной 1520 м) — ось симметрии четкой сети прямых аллей громадного регулярного парка (1660-е годы, архитектор А. Ленотр) с нарядными павильонами, фонтанами, скульптурой (Ф. Жирардон, А. Куазевокс и др.). К северу от Большого канала — дворцы Большой Трианон (1687, архитектор Ардуэн-Мансар) и Малый Трианон (1762-1764, архитектор Ж. А. Габриель), к которому прилегает живописный пейзажный парк (1774, архитектор А. Ришар) с «деревней» Марии Антуанетты («хижина», мельница, молочная ферма; 1782-1786, скульптор P. Мик и художник Ю. Робер).
Ансамбль Версаля, в котором пространственный размах барокко сочетается с характерной для классицизма рациональностью построения, оказал определяющее влияние на развитие градостроительства и паркового искусства многих европейских стран. В 1830 ансамбли Версаля превращены в национальный музей. До сих пор по традиции в Версале проводятся концерты на воде.



Г


Гамма красочная, гамма цветовая, ряд гармонически взаимосвязанных оттенков цвета (обычно с одним доминирующим), используемый при создании произведений живописи, декоративно-прикладного искусства и др. Различают теплую холодную, светлую и другие гаммы.


Генуэзская школа, одна из художественных школ Италии с центром в городе Генуя. В живописи Генуэзская школа сложилась к конце 1620-х годов, во многом под влиянием работавших здесь фламандцев А. ван Дейка и П.П. Рубенса. Ведущим художником школы был Б. Строцци, соединивший местные традиции с живописностью и эмоциональной чувственностью фламандской живописи. Мастера Генуэзской школы прославились произведениями пасторального жанра, взволнованно-романтическими религиозными композициями. Пасторальные и бытовые сцены, парадные портреты, религиозные и мифологические композиции художников Генуэзской школы (Б. Строцци, Дж. Б. Кастильоне, А. Вассалло) отличаются сочной живописностью. В архитектуре Генуэзская школа оформилась к середине 16 века; ее расцвет связан с творчеством Г. Алесси, реформировавшего структуру городского палаццо.


Гератская школа миниатюры, одна из художественных школ Среднего Востока, существовавшая в 15 веке в столице государства Тимуридов Герате. Миниатюрам (главным образом иллюстрации к рукописям, создававшимся в придворной рукописной мастерской) 1-й половины 15 века присущи тонкость письма, чистый, иногда построенный на горячих тонах колорит. Произведения мастеров Гератской школы 2-й половины 15 столетия, среди которых выделяются Кемаледдин Бехзад и его ученик Касим Али, отличаются разнообразием сюжетов, многофигурностью и многоплановостью композиций с богатыми пейзажными мотивами, богатством красочной палитры.


Герма (греч. hermes), в Древней Греции первоначально культовый символ бога Гермеса в виде обработанного скульпторами каменного ствола с рельефом или камня с головой бога; особенно подчеркивался фаллос. Гермы устанавливались на дорогах из Афин с указанием расстояний и популярных сентенций. С 5 века до н. э. появляются гермы с портретами известных политических деятелей, поэтов и философов (часто встречаются гермы с двойными портретами).


Гемма (лат. gemma), произведение глиптики, драгоценный или полудрагоценный камень с врезанными (инталия) или выпуклыми (камея) изображениями.


Глиптика (греч. glyptike, от glypho — вырезаю), искусство резьбы на драгоценных или полудрагоценных камнях.


Гобелен (франц. gobelin), вытканный вручную ковер-картина. В строгом смысле – изделие действующей поныне парижской мануфактуры, основанной как королевская в 1662 в предместье Сен-Марсель, в здании, которое до того занимали красильщики Гобелены (отсюда название). гобелены ткались на специальных ручных станках из цветных шерстяных и шелковых нитей (иногда также золотых и серебряных) методом выборочного ткачества, т.е. отдельными участками, которые затем сшивались тонкой шелковой нитью. Рисунки (картоны) для гобеленов с историческими, мифологическими, религиозными и другими сюжетами создавали крупные французские живописцы: в 17 столетии – директор мануфактуры Ш. Лебрен, в 18 веке – Ф. Буше, Ж.Б. Удри. Художественные качества гобеленов столь высоки, что их название было перенесено сначала на сделанные им в подражание шпалеры, а в 19 столетии – вообще на любые шпалеры и даже на обивочное плотное полотно машинного производства. В 19 веке художественный уровень гобеленов резко снизился; искусство гобелена было возрождено на новой эстетической основе только в 1930–1940-е годы. Массовые гобелены хорошего ткачества изготовлялись в мастерских Обюссона. Для гобеленов берутся более толстые нити и резко сокращают количество цветов (ранее их было несколько тысяч, теперь же меньше сотни). Картоны для гобеленов создавали А. Матисс, Ф. Леже, Ле Корбюзье и др. С 1960-х годов при изготовлении гобеленов вводятся аппликации, коллаж, ажурное плетение. Обнажается основа ткани, используются декоративные эффекты от рельефных переплетений. Помимо традиционных материалов, используются синтетические, кожа, шнур.


Гуашь (франц. gouache, от итал. guazzo – водяная краска), краски, состоящие из тонко растертых пигментов с водно-клеевым связующим и примесью белил, а также произведение искусства, выполненное этими красками. Возникла как разновидность акварели, когда для достижения плотности красочного слоя к водяным краскам начали примешивать белила. гуашь широко использовалась для выполнения книжных миниатюр уже в средневековом искусстве, а начиная с эпохи Возрождения – также для эскизов, картонов, подцвечивания рисунков, позже – для портретных миниатюр. Начало производства специальных гуашевых красок в середине 19 века способствовало окончательному обособлению гуаши от акварели, использованию ее особенностей (плотность и матовость тонов) для достижения специальных декоративных эффектов.



Д


Дивизионизм (от франц. divison – разделение), также пуантилизм (от франц. pointiller – писать точками), живописная система, основанная на методичном разложении сложного цветового тона на чистые цвета, которые фиксируются на полотне четко различимыми небольшими мазками (точечной или правильной прямоугольной формы) в расчете на их оптическое смешение при зрительном восприятии картины. Обладающая ярким декоративным эффектом система дивизионизма была разработана в 1880-е годы французскими живописцами Ж. Сёра и П. Синьяком и широко использовалась мастерами неоимпрессионизма.


Диптих (от греч. diptychos – двойной, сложенный вдвое), двустворчатый складень с живописными или рельефными изображениями на каждой створке; также две картины, связанные единством замысла и средств художественной выразительности.


Дюссельдорфская школа, одна из влиятельных местных живописных школ Германии в 19 веке. Сложилась в Дюссельдорфе в связи с основанием здесь в 1819 году Академии Художеств, первый директор которой, Питер Корнелиус, направлял ее деятельность в русло академизированного романтизма. В 1826–1859 годах, когда директором Академии Художеств был В. Шадов, в Дюссельдорфской школе выделились различные течения: национально-историческая тематика трактовалась в духе несколько поверхностного романтизма (К.Ф. Зон и др.), в эпико-героических образах (А. Ретель), даже с оппозиционных антикатолических позиций (К.Ф. Лессинг); развивался реалистический пейзаж (О. и А. Ахенбах). В бытовом жанре в Дюссельдорфской школе с 1850-х годов господствовали идиллические сцены из жизни бюргеров и патриархального крестьянства (Л. Кнаус, Б. Вотье).



Е


Евфроний, древнегреческий античный вазописец и гончар конца 6 — начала 5 века до н. э. Представитель «строгого стиля». Стремился к передаче сложных движений («Пелика с ласточкой»).


Египетский Музей в Каире, основан в 1858 году О. Мариетом. Хранилище памятников искусства и культуры Древнего Египта (в том числе хранятся сокровища гробницы Тутанхамона).


Елена из Александрии (4-3 век до н. э.), древнегреческая художница. Ее мозаичную картину «Битва Александра Македонского при Иссе» император Веспасиан перевез из Греции в Рим и поместил в храме Мира на римском форуме.


Ерерукская Базилика, памятник древнейшей армянской архитектуры (5 век) близ поселения Анипемза Анийского района в Армении; 3-нефная базилика имеет 4 соединенных галереями придела на углах.



Ж


Жанр (франц. genre – род, вид), исторически сложившиеся внутренние подразделения в большинстве видов искусства, специфичные для каждой из областей художественной культуры. В изобразительном искусстве основные жанры определяются прежде всего по предмету изображения (портрет, пейзаж, бытовой жанр, интерьер, натюрморт, исторический жанр, батальный жанр) или по характеру интерпретации этого предмета (карикатура, шарж, камерный портрет, историко-бытовой жанр и т.п.). "Поджанры" основных жанров могут возникать при дроблении самих предметов изображения (морской вид, марина – особый вид пейзажа, "завтраки" и "десерты" – разновидности натюрморта). В тех видах пластических искусств, где невозможно выделить предмет изображения, – в архитектуре, декоративно-прикладном искусстве, дизайне, жанровая классификация замещается типологическими разделениями, основанными на функциях произведения (так, в архитектуре выделяются типы дворца, храма, жилого дома и т.д., в свою очередь разделяющиеся на множество подтипов).
Основные жанры, как и само понятие жанр, имеют свои исторические границы. Искусство древности, средневековья, Возрождения не знало четких границ между жанрами, и только в 17–18 веках эстетика классицизма создала строгую иерархическую жанровую систему с разделением жанров на "высокие" и "низкие". Однако уже в 19 веке эта иерархия разрушается, а границы между жанрами постепенно стираются, начинается процесс их переплетения и сложного взаимодействия. В ином, узком смысле термином жанр обозначаются произведения бытового жанра (жанровая картина, жанровая скульптура и т.п.).


Жанр анималистический (от лат. animal – животное), вид изобразительного искусства, в котором ведущим мотивом является изображение животных. Остро стилизованные, имевшие, как правило, магическое значение фигуры зверей и птиц были распространены в первобытном искусстве, в памятниках евроазиатского "звериного стиля" (в том числе у скифов, сарматов, саков и других племен), у народов Африки, Океании, древней Америки; непревзойденной монументальностью отличаются изображения реальных и мифологических животных в искусстве Древнего Востока, экспрессивной динамикой – в настенных росписях, вазописи, пластике крито-микенской цивилизации, искусстве классической античности и эллинизма. Собственно анималистическийжанр появился в Китае в периоды Тан (8 в.) и Сун (13 в.). В средневековом искусстве Европы были распространены почерпнутые из фольклора, языческих и христианских легенд сказочно-гротескные образы зверей и птиц; художники эпохи Возрождения (Пизанелло, А. Дюрер) начали рисовать животных с натуры.
Европейский анималистический жанр сформировался (первоначально во многом как аллегорический - морализирующий, когда те или иные животные выступали как олицетворение человеческих пороков и добродетелей) в 17 веке в искусстве Голландии (П. Поттер, А. Кейп, М. де Хондекутер) и Фландрии (Ф. Снейдерс, Я. Фейт). В дальнейшем в произведениях мастеров анималистического жанра естественнонаучный интерес и стремление к точному воссозданию повадок и природной пластики животных (К. Труайон во Франции, Б. Лильефорс в Швеции и др.) соседствуют с романтическим восхищением их силой и ловкостью (А.Л. Бари во Франции) или с декоративной стилизацией образов животного мира. Художники, работающие в анималистическом жанре называются анималистами.


Жанр батальный (от франц. bataille – битва), жанр изобразительного искусства, посвященный темам войны и военной жизни. Главное место в батальном жанре занимают сцены сухопутных и морских сражений, военных походов прошлого и современности. Такого рода изображения известны с древнейших времен (рельефы Древнего Востока, вазопись Древней Греции, рельефы на фронтонах и фризах античных храмов, на древнеримских триумфальных арках и колоннах, монументальные росписи Древней Индии, японская средневековая живопись и др.), в книжной миниатюре и декоративном искусстве средневековой Европы. Как самостоятельный батальный жанр формируется в Италии эпохи Возрождения, в творчестве П. Уччелло,Пьеро делла Франческа; героическая обобщенность присуща батальным сценам Леонардо да Винчи, Микеланджело, Тициана, Тинторетто. В 17 веке сближению батальной живописи с историческим жанром способствовали картины Д. Веласкеса, глубоко раскрывавшего исторический смысли этическую подоснову военных событий, и произведения П.П. Рубенса, захватывающие зрителя своими динамикой и драматизмом. В батальном жанре формируются типы условно-аллегорической композиции с изображением полководца на фоне выигранной им битвы (Ш. Лебрен),небольшой картины с эффектными сценами кавалерийских стычек (Ф. Вауэрман), морских сражений (В. ван де Велде), видами армейских привалов и биваков, перекликающимися с произведениями бытового жанра (А. Ватто). В 1-й половине 19 века на развитие батального жанра наложили отпечаток историзм и эмоциональный пафос романтизма; события эпохи наполеоновских войн и национально-освободительных движений в Европе запечатлены в живописи А. Гро, Т. Жерико, Э. Делакруа, О. Верне во Франции, Ф. Гойи в Испании, П. Михаловского в Польше и др. Во 2-й половине 19 века в военных сценах и батально-исторических полотнах А. фон Менцеля в Германии, А. Фаттори в Италии, У. Хомера в США и др. усиливаются пейзажные, жанровые, психологические начала, внимание к действиям и переживаниям рядовых участников военных действий. Художники, работающие в батальном жанре, называются баталистами.


Жанр бытовой, один из основных жанров изобразительного искусства, посвященный изображению частной и общественной жизни человека. Бытовые ("жанровые") сцены, известные с глубокой древности (в первобытном искусстве, в росписях и рельефах Древнего Востока, древнегреческой вазописи, эллинистических росписях, мозаиках, скульптуре, средневековых фресках и миниатюрах), выделились в особый жанр в эпоху формирования в Европе буржуазного общества. Предпосылки для этого были заложены в искусстве Возрождения, когда художники начали насыщать бытовыми деталями религиозные и аллегорические композиции (Джотто, А. Лоренцетти в Италии, Ян ван Эйк, Р. Кампен, Гертген тот Синт-Янс в Нидерландах, братья Лимбург во Франции, М. Шонгауэр в Германии); в конце 15 – начале 16 веков. Бытовой жанр постепенно обособлялся у венецианцев В. Карпаччо, Я. Бассано, у нидерландцев К. Массейса, Луки Лейденского, П. Артсена, а в творчестве П. Брейгеля Старшего картины повседневности служили для выражения глубочайших мировоззренческих идей. В 17 веке окончательно сформировавшийся бытовой жанр, утверждал частный быт как значимое и самое ценное явление жизни. Возвышенная поэтизация бытовых мотивов, мощное жизнелюбие характерны для произведений П.П. Рубенса и Я. Йорданса, любование здоровой, естественной красотой простых людей– для "бодегонес" Д. Веласкеса.
В Голландии, где окончательно сложились классические формы жанра, интимную атмосферу, мирный уют бюргерского и крестьянского быта воссоздавали А. ван Остаде, К. Фабрициус, П. де Хох, Я. Вермер Делфтский, Г. Терборх, Г. Метсю, глубинные противоречия жизни вскрывал в бытовых по форме сценах Рембрандт. Во Франции в 18 столетии бытовой жанр представлен идиллическими пасторалями в стиле рококо(Ф. Буше), "галантными сценами", в которые А. Ватто и Ж.О. Фрагонар внесли эмоциональную тонкость и остроту жизненных наблюдений, сентиментально-дидактическими композициями Ж.Б. Греза, лирическими полотнами Ж.Б.С. Шардена, воссоздающими частную жизнь третьего сословия . Социально-критическому направлению в бытовом жанре положили начало картины и гравюры У. Хогарта, высмеивающие нравы английского общества. В 16–18 веках бытовой жанр переживал расцвет и в искусстве стран Азии –в миниатюре Ирана, Индии (К. Бехзад, Мир Сеид Али, Реза Аббаси), живописи Кореи (Ким Хондо), графике Японии (Китагава Утамаро, Кацусика Хокусай). В Европе 19 столетии бытовой жанр стал полем социальной критики и публицистически заостренной сатиры (графика и живопись О. Домье), жанром, исполненным жизненной достоверности и пафоса утверждения красоты и внутренней значительности людей труда (Г. Курбе и Ж.Ф. Милле во Франции, А. фон Менцель и В. Лейбль в Германии, Дж. Фаттори в Италии, Й. Исраэльс в Голландии и др.). Во 2-й половине 19 века мастера импрессионизма во Франции (Э. Мане, Э. Дега, О. Ренуар) утвердили новый тип жанровой картины, в которой стремились запечатлеть как бы случайный, фрагментарный аспект жизни, острую характерность облика персонажей, слитность людей и окружающей их среды; их творчество дало толчок к более свободному толкованию жанра, непосредственно-живописному воссозданию бытовых сцен (М. Либерман в Германии, К. Крог в Норвегии, А. Цорн в Швеции, Т. Эйкинс в США). На рубеже 19 и 20 веков в искусстве постимпрессионизма, символизма, стиля модерн начался новый этап в развитии бытового жанра: бытовые сцены трактуются как вневременные символы, жизненная конкретность изображения уступает место живописной экспрессии, монументально-декоративным задачам (Э. Мунк в Норвегии, Ф. Ходлер в Швейцарии, П. Гоген, П. Сезанн во Франции и др.). Художники, работающие в бытовом жанре, называются жанристами.


Жанр портретный. Портрет (франц. portrait, от устаревшего франц. portraire – изображать, передавать "черта в черту"), один из основных жанров изобразительного искусства, изображение человека или группы людей, реально существующих либо существовавших в прошлом. Важнейший критерий портретности – сходство изображения с оригиналом, которое достигается не только верной передачей облика модели, но и раскрытием духовной сущности, социального положения портретируемого, типичности или, напротив, исключительности его индивидуальности и т.п. Субъективно-авторскую окраску придают искусству портрета личностное отношение художника к модели, его собственные мировоззрение и творческая манера. Исторически сложилась широкая и многоплановая типология портрета: в зависимости от функционального назначения, композиционных особенностей, образной трактовки различают портреты героические, сатирические и сентиментальные, парадные и интимные, погрудные, в полный рост, анфасные, профильные и т.п.; специфический "поджанр" портрета – автопортрет.
Зародившийся в глубокой древности, портрет достиг высокого уровня образности уже в искусстве Древнего Востока, особенно в древнеегипетской пластике и монументальной живописи (работы Тутмеса и многие другие памятники). В античном искусстве портрет развивался от идеализированных скульптурных образов поэтов, философов, общественных деятелей Древней Греции до драматически-выразительных портретов эпохи эллинизма и сугубо индивидуализированных портретных бюстов и статуй Древнего Рима. В эпоху средневековья, когда личностное начало растворялось во внеличностной корпоративности и религиозной соборности, возникали, тем не менее, портретные образы, отмеченные ясной физиономической определенностью, зачатками духовной индивидуальности (скульптура готики, некоторые мозаики и фрески Византии и Древней Руси и т.д.). Выразительные образы создавались в средневековой живописи Китая и Японии, в миниатюре стран мусульманского Востока (произведения Кемаледдина Бехзада, Реза Аббаси и др.).
Выдающиеся достижения в искусстве портрета связаны с эпохой Возрождения: идеалы героической, активно действенной личности, гармонично связанной с мирозданием, утверждали итальянские художники 15 века(живопись Д. Гирландайо, С. Боттичелли, Пьеро делла Франческа, А. Мантеньи, Антонелло да Мессина, Джентиле и Джованни Беллини, статуи Донателло и А. Верроккьо, живопись и медали Пизанелло). Углубляют содержание портретных образов, наделяют их силой интеллекта, сознанием личной свободы, душевной гармонии, а иногда мощным драматизмом мастера Высокого Возрождения (Леонардо да Винчи, Рафаэль, Джорджоне, Тициан, Тинторетто); в искусстве Позднего Возрожденияи маньеризма гармоническая ясность ренессансных образов сменяется напряженностью и подчеркнутой драматичностью (произведения Понтормо, А. Бронзино в Италии, Эль Греко в Испании). Духовной заостренностью, предметной точностью изображения отличаются портреты нидерландских (Я. ван Эйк, Р. Кампен, Рогир ван дер Вейден, Лука Лейденский) и немецких (А. Дюрер, Л. Кранах Старший, Х. Хольбейн Младший) мастеров Возрождения, ренессансным гуманизмом отмечены произведения французских портретистов этой эпохи (Ж. Фуке, Ж. и Ф. Клуэ, Ж. Пилона, Корнеля де Лиона).
В 17 столетии глубокая демократизация жанра, стремление художников к многостороннему познанию человеческой личности, эмоциональная насыщенность портретных образов ярче всего сказались в творчестве голландских мастеров (Рембрандта, Ф. Халса), в живописи Д. Веласкеса в Испании, П.П. Рубенса и А. ван Дейка во Фландрии, Н. Пуссена во Франции. В 18 веке свежая жизненная правдивость, точность и острая аналитичность характеристик свойственны портретам французских (живопись и станковая графика М.К. де Латура, Ж.О. Фрагонара, Ж.Б. Перроно, пластика Ж.А. Гудона и Ж.Б. Пигаля) и английских (У. Хогарта, Дж. Рейнолдса, Т. Гейнсборо) художников. На переломе 18 и 19 веков существенные аспекты эпохи выпукло отражены в страстно-эмоциональных, романтически-приподнятых картинах Ф. Гойи, в ярких и правдивых портретах главы позднего французского классицизма Ж.Л. Давида.
В 1-й половине 19 столетия в портрете развивались тенденции романтизма (живопись Т. Жерико, Э. Делакруа во Франции, Ф.О. Рунге в Германии), новым жизненным содержанием наполнялись традиции классицистического портретного искусства (живопись Ж.О.Д. Энгра во Франции, пластика И.Г. Шадовав Германии и др.), появились значительные образцы сатирического портрета (графика и скульптура О. Домье во Франции). В середине и 2-й половине 19 века расширяется география национальных школ портрета, возникает множество стилистических направлений, в рамках которых по-разному решаются проблемы портретной живописи (работы А. фон Менцеля и В. Лейбля в Германии, Я. Матейко в Польше, Дж. Сарджента, Т. Эйкинса в США и др.). Достижения мастеров французского импрессионизма (Э. Мане, О. Ренуара, Э. Дега, скульптора О. Родена) и их последователей (М. Либермана в Германии, Дж. Уистлера в США, А.Л. Цорна в Швеции и др.) привели к обновлению художественной концепции портрета, передающего теперь изменчивость облика и поведения модели в столь же изменчивой среде; противоположные тенденции нашли выражение в творчестве художников постимпрессионизма – П. Сезанна, стремившегося выразить в портретном образе устойчивые, вечные свойства бытия, и В. ван Гога, в предельно драматических автопортретах отразившего жгучие проблемы нравственной и духовной жизни.



З


Зальная церковь, вытянутый в плане храм с несколькими нефами равной высоты (существует модификация Зальной церкви с несколько более высоким, но лишенным окон средним нефом – так называемая псевдобазилика), а также однонефный храм без поперечного нефа-трансепта. Зальные церкви с ровным, неконтрастным освещением интерьера, удобные для собраний городской общины, были типичны для архитектуры вольных городов Северной Германии, Чехии, Польши 13 – начала 16 веков; в Южной Германии первую Зальную церковь построил в середине 14 века архитектор Генрих I Парлер.


Замок, укрепленное жилище феодала. Замки Европы, Ближнего Востока, Кавказа, Средней Азии возводились в хорошо защищенных местах; главная башня (донжон, кешк) окружалась валами, рвами, стенами. Феодальный замок являлся неотъемлемой частью жизни Средневековья. Это и дом, и центр селения, и место для рыцарских турниров, и убежище во время войны, и средоточие средневековой культуры. Суровые, мощные замки с 11-12 века становятся более живописными, свободными по планировке, с 13-14 столетия превращаются в сложные комплексы построек и, наконец, в дворцовые ансамбли.


Зевксис, древнегреческий живописец конца 5 - начала 4 века до н. э. Стремясь к иллюзорности изображения, применял светотень («Елена», «Младенец Геракл»). Произведения не сохранились.


Зевс-Олимпиец, статуя Зевса работы греческого скульптора Фидия; одно из Семи чудес света. Статуя помещалась в культовом центре Олимпийского святилища — храме Зевса, в священной роще Альтисе. Статую Фидий исполнил в хрисоэлефантинной технике: открытые части тела были выложены пластинами слоновой кости, одеяния отлиты из золота, а основа скульптуры была деревянной. Высота статуи достигала около 17 м в высоту. Если бы бог «поднялся», его рост намного бы превысил высоту самого храма. В руке громовержец держал статую Ники (символ победы). Из золота и слоновой кости был сделан и трон Зевса. Спинку, подлокотники и подножие украшали рельефы из слоновой кости, золотые изображения богов и богинь Олимпа. Нижние стенки трона покрывали рисунки Панэна, его ножки — изображения танцующих Ник. Ноги Зевса, обутые в золотые сандалии, покоились на скамье, украшенной золотыми львами.
Перед постаментом статуи пол был выстлан темно-синим элевсинским камнем, высеченный в нем бассейн для оливкового масла должен был сберегать слоновую кость от рассыхания. Проникавший в двери темного храма свет, отражаясь от гладкой поверхности жидкости в бассейне, падал на золотые одежды Зевса и освещал его главу; вошедшим казалось, что сияние исходит от самого лика божества. Возможно, в конце 4 века статуя Зевса была перевезена в Константинополь и установлена на столичном ипподроме, где погибла во время одного из пожаров.


Земляное Искусство или Лэнд-Арт (от англ. land art — земляное искусство), направление в изобразительном искусстве последней трети 20 века, основанное на использовании реального пейзажа в качестве главного художественного материала и объекта. Энтузиасты лэнд-арта (У. де Мариа, Р. Смитсон, М. Хайзер в США, Р. Лонг в Великобритании) прорывают траншеи, создают причудливые нагромождения камней, раскрашивают скалы и т. д., избирая для своих акций обычно безлюдные, «первозданные» и «дикие» ландшафты, тем самым как бы стремясь вернуть искусство в природу. Благодаря своему «первобытному» облику многие акции и объекты такого рода сближаются с археологизмом, а также (поскольку большинство публики может созерцать их лишь в сериях фотографий) с фото-артом.



И


Интерьер (от франц. interieur – внутренний) в архитектуре, внутреннее пространство здания в целом или составляющих его помещений (вестибюля, фойе, комнаты, зала в светских постройках, хора, нефа, трансепта в христианском храме и т.п.). Художественная выразительность архитектурного интерьера определяется как его пропорциями, конфигурацией, архитектоникой составляющих частей, так и его декоративным убранством. интерьер в живописи – жанр, одним из главных мотивов которого является изображение различных внутренних помещений. В искусстве Западной Европы тщательно-любовное воссоздание интимного "комнатного" мира, известное с эпохи Возрождения (произведения П. Перуджино, В. Карпаччо, Я. ван Эйка), достигло расцвета в голландской живописи 17 века (картины Я. Вермера Делфтского, Т. Метсю, Г. Терборха, П. де Хоха, "чистые" интерьерные виды Э. де Витте).


Исфаханская школа миниатюры, одна из ведущих художественных школ Ирана, сложившаяся на рубеже 16 и 17 веков в городе Исфахан, при дворе шаха Аббаса I. Основоположником стиля Исфаханской школы, для которого характерны каллиграфически точный виртуозный рисунок с легкой подцветкой, пластическая объемность и легкость фигур, тончайшая проработка деталей, был Реза Аббаси. С 1670-х годов под влиянием европейской живописи в миниатюрах Исфаханской школы появились элементы светотеневой моделировки, линейной и воздушной перспективы в изображении пейзажных фонов.



К


Кампанила (итал. campanile), в итальянской архитектуре средневековья и эпохи Возрождения 4-гранная или круглая башня-колокольня, обычно стоящая отдельно от храма.


Капелла (позднелат. capella, итал. cappella – часовня), в католической и англиканской архитектуре небольшое сооружение или помещение для молитв одного семейства, для хранения реликвий, размещения певчих и др. Капеллы обычно размещались в боковых нефах храмов или вокруг хора ("венец капелл" в архитектуре готики), а также в замках или дворцах; иногда строились также и отдельно стоящие, не связанные с храмом или каким-либо другим сооружением Капеллы.


Караваджизм, направление в европейской живописи 17 столетия, представленное последователями Караваджо, итальянского художника конца 16 – начала 17 веков. Для Караваджизма характерны демократизм образной системы, повышенное чувство реальной предметности, материальности изображения, активная роль светотеневых контрастов в живописно-пластическом решении картины, монументализация жанрово-бытовых мотивов. В Италии, где тенденции Караваджизма сохраняли свою актуальность до конца 17 столетия и особенно сказались в живописи Рима, Генуи и Неаполя, наиболее сильное и оригинальное истолкование наследие Караваджо получило в творчестве О. Джентилески. Среди европейских мастеров Караваджизма вне Италии наиболее значительно творчество так называемый утрехтских караваджистов в Голландии (Х. Тербрюгген, Г. Хонтхорст и др.), а также Х. Риберы в Испании и А. Эльсхаймера в Германии. Воздействие отдельных приемов Караваджизма ощутимо также в работах некоторых мастеров академизма (Г. Рени и др. в Италии) и барокко (К. Шкрета в Чехии и др.).


Карандаш (от тюрк. кара – черный и даш, таш – камень), стержень из угля, свинца, графита или сухой спрессованной краски, обычно в деревянной или металлической оправе, предназначенный для письма, рисования, черчения. В 12–16 веках для рисования применялись свинцовые и серебряные карандаши в металлической оправе, дававшие тонкий штрих и темно-серый тон. Известный с 14 столетия итальянский карандаш, изготовлявшийся из черного глинистого сланца или порошка жженой кости в смеси с растительным клеем, дает линию матового оттенка и слабой черноты. Малой интенсивностью и легким блеском отличается штрих распространившегося с 16 века графитного карандаша. Современный тип карандаша с пишущим стержнем из смеси графитного порошка с глиной и с деревянной оправой изготовляется с конца 18 столетия. Особые виды карандаша – пастель и сангина.


Карнация (франц. carnation – телесный цвет, от лат. caro – плоть, тело), живописные приемы (обычно многослойное наложение красок), применяемые для изображения кожи человека, его лица, других обнаженных частей тела.


Картон (франц. carton, итал. cartone, от лат. charta – бумага) в изобразительном искусстве, крупноформатный, иногда расцвеченный рисунок, выполняемый в размере будущего произведения фресковой живописи, витража, шпалеры, гобелена и т.п. Предварительная подготовка композиции с помощью картона была широко распространена в практике европейских художников эпохи Возрождения, а также 17–18 веков.


Киликийская школа, одна из школ армянской миниатюры, существовавшая в 12–14 веках в Киликийском армянском государстве на юге полуострова Малая Азия (главные центры – монастыри Ромкла, Скевра, Акнер, Грнер, Дразарк). Стиль Киликийской школы сложился на основе традиций искусства коренной Армении и Византии, а также под влиянием западноевропейской живописи этой эпохи; для миниатюр школы периода ее расцвета (в 13 столетии), особенно для произведений Тороса Рослина, характерны эмоциональность образов, стремление к объемной моделировке форм, богатство орнаментальных мотивов, виртуозность динамичного рисунка, звучность красок.


Классика (от лат. classicus– образцовый), период расцвета древнегреческого искусства, охватывающий 5 век до н.э. и первые три четверти 4 века до н.э. В эпоху Классики сложилась система регулярной планировки города-полиса (архитектор Гипподам из Милета), высшей гармоничности и тектонической уравновешенности достигла ордерная архитектура (постройки Иктина и Калликрата), идеалы возвышенной красоты воплотились в пластике (скульпторы Мирон, Поликлет, Фидий, Скопас, Пракситель, на исходе эпохи – Лисипп). Классика подразделяется на раннюю ("строгий стиль"; 1-я половина 5 века до н.э.), высокую (2-я половина 5 века до н.э.) и позднюю (400–325 до н.э.).
В более широком смысле под Классикой (классическим искусством) понимается все искусство Древней Греции и Древнего Рима, а также опиравшееся на него искусство Возрождения и классицизма. В максимально широком значении Классика – наивысшие художественные достижения различных эпох и народов, проявляющиеся в самых разных, часто не восходящих к античности стилистических формах. Совокупность Классики народов мира составляет классическое художественное наследие, являющееся достоянием всего человечества.


Колорит (итал. colorito, от лат. color – цвет, краска), применяемая в искусстве (в живописи, в использующих цвет видах графики, в некоторых типах произведений декоративного искусства) система соотношений цветовых тонов, образующая определенное единство и являющаяся одним из важнейших средств эстетической эмоциональной выразительности, компонентом художественного образа. Исторически сложились две основные колористические тенденции. Первая связана с применением более или менее ограниченного количества локальных цветов, иногда (особенно в средневековом искусстве) имеющих символическое значение. Для второй характерны стремление к полной передаче цветовой картины мира, использование тона, валёров, рефлексов. По характеру цветовых сочетаний колорит может быть спокойным или напряженным, холодным (при преобладании синего, зеленого, фиолетового оттенков) или теплым (при господстве красных, желтых, оранжевых цветов), светлым или темным, а по степени насыщенности и силы цвета – ярким, сдержанным. блеклым и т.д. В архитектуре и скульптуре система цветовых отношений обычно называется полихромией.


Ксилография (от греч. xylon – дерево и grapho – пишу), один из видов гравюры, гравюра на дереве. Изображение в ксилографии отпечатывается с плоской поверхности деревянной доски, покрытой краской, от которой свободны углубления, вырезанные между элементами изображения. Существуют два основных типа ксилографии. В "обрезной" ксилографии на досках продольного распила из мягких пород дерева линии и пятна рисунка обрезаются ножом, а промежутки между ними выбираются долотом. Обрезной ксилографии, зародившейся в Германии, Чехии, Австрии на рубеже 14 и 15 веков, присущи контрастные соотношения черного и белого, обобщенность рисунка, его повышенное эмоциональное звучание. Выдающиеся гравюры в этой технике создавал А. Дюрер, а также его современники, разработавшие технику цветной ксилографии (немецкие мастера Х. Бургкмайр, Х. Бальдунг, Л. Кранах Старший). Поэтическими ассоциациями, эмоциональной яркостью, замечательным техническим совершенством отмечены гравюры мастеров существовавшей с 17 века японской школы укиё-э(Судзуки Харунобу, Китагава Утамаро, Тёсюсай Сяраку, Кацусика Хокусай, Андо Хиросигэ). В 1780-е годы англичанин Т. Бьюик изобрел "торцовую" ксилографию; в этой технике на досках поперечного распила из твердых пород дерева специальным инструментом (штихелем) прорезаются тонкие штрихи, в оттиске выходящие белыми. Возможность с помощью комбинаций подобных штрихов создавать тоновые пятна разной насыщенности определила широкое распространение "торцовой" ксилографии как техники репродуцирования живописи и тональных рисунков.



Л


Лессировка (от нем. lasieren – покрывать глазурью), тонкие прозрачные или полупрозрачные слои красок, которые наносятся на просохшие или полупросохшие основные, плотные красочные слои картины, чтобы изменить, ослабить или усилить цветовые тона, обогатить колорит, добиться его единства и гармонии. В 16–19 веках наложение лессировки было, как правило, заключительным этапом работы художника над картиной.


Литография (от lithos – камень и grapho – пишу), специфический вид печатной графики, при котором оттиски получают переносом краски под давлением с плоской, нерельефной печатной формы непосредственно на бумагу; также произведение, выполненное литографским способом. Печатной формой в литографии служит гладкая или зернистая поверхность камня-известняка, на которую жирной тушью или жирным литографским карандашом наносится изображение; вслед за травлением камня кислотой, воздействующей на не покрытую жиром поверхность, рисунок смывают и взамен наносят типографскую краску, пристающую только к непротравленным частицам камня В сфере изобразительного искусства литографию обычно относят к гравюрным техникам, хотя процесс ее создания не связан с гравированием, т.е. с механической обработкой печатной формы.
Изобретенная А. Зененфельдером в Германии между 1796–1798, литография привлекла внимание художников большой свободой авторского исполнения, широким диапазоном графических средств, большой точностью воспроизведения штрихового рисунка. Специфический язык художественной литографии оформился в произведениях мастеров французского романтизма (Т. Жерико, Э. Делакруа) и работавшего в 1820-е годы во Франции Ф. Гойи, а также в графике О. Домье, крупнейшего мастера этой техники в искусстве 19 столетия. Новые художественные возможности литографии были открыты мастерами импрессионизма (Э. Мане, О. Ренуар, Э. Дега, К. Писсарро), близкими к ним художниками Германии (М. Либерман) и США (Дж. Уистлер). В конце 19 века особую остроту, драматизм и, одновременно, декоративную выразительность привнесли в литографию (особенно цветную) художники, связанные с постимпрессионизмом, символизмом, стилем модерн (О. Редон, А. де Тулуз-Лотрек, Э. Вюйяр во Франции, Ф. Ропс в Бельгии, Э. Мунк в Норвегии).


Лоджия (итал. loggia, от древневерхненемецкого laudia – беседка), помещение, открытое с одной или нескольких сторон, где стену заменяет колоннада, аркада, парапет. В итальянской архитектуре Возрожденияи барокко лоджия – обычно отдельное сооружение общественного назначения с аркадами и колоннадами на главном фасаде.


Локальный цвет в живописи, основной и неизменяющийся цвет изображаемых объектов, условный, лишенный оттенков, которые возникают в природе под воздействием освещения, воздушной среды, рефлексов от окружающих предметов. Понятие "Локальный цвет" впервые было введено Леонардо да Винчи в его "Книге о живописи". Применение Локального цвета характерно для средневекового искусства, в котором многие цвета имели символическое значение, живописи Раннего Возрождения и классицизма; локальные цветовые плоскости используются также многими направлениями искусства 20 столетия.


Ломбардская школа, художественная школа, сложившаяся в Ломбардии, исторической области Северной Италии. В архитектуре Ломбардская школа выделялась самобытной интерпретацией романского стиля и готики; постройки ломбардских архитекторов эпохи Возрождения (Филарете и др.) отличаются обилием декоративных вставок, подчеркивающих гладь стены. Новаторский характер имело творчество Браманте, работавшего в Ломбардии в 1477–1499. Живопись Ломбардской школы отмечена хрупким изяществом форм и поэтичностью; значительную роль в ее развитии в период Раннего Возрождения сыграли Пизанелло, а затем А. Мантенья. Во 2-й половине 16 столетия образовалась самостоятельная брешианская школа, в искусстве которой соединились традиции Ломбардской школы и венецианской школы.



М


Майолика (итал. maiolica, от Majolica – старого названия острова Мальорка, через который в Италию ввозились изделия испано-мавританской керамики), итальянские керамические изделия 15–17 веков с цветным пористым черепком и сюжетными росписями по сырой непрозрачной свинцовой глазури (продукция мастерских Фаэнцы, Флоренции, Сиены, Урбино и др.), а иногда и с нанесенным сверху люстром (Дерута, Губбио). Пионерами в применении Майолики для изготовления рельефов и круглой скульптуры были работавшие во Флоренции мастера семьи делла Роббиа (15 – начало 16 века). В широком смысле Майолика – изделия из цветной обожженной глины с крупнопористым черепком, покрытые глазурью.


Маккьяйоли (итал. macchiaioli, от macchia – пятно), группа итальянских живописцев, оформившаяся во Флоренции к 1860 и получившая свое название за склонность к широкой манере письма, свободному сочетанию сочных световых и цветовых пятен. Для произведений Маккьяйоли (Т. Синьорини , Дж. Фаттори, С. Лега и др.) характерны также обращение к демократическим жанрам (эпизоды войны за независимость Италии, жанрово-бытовые сцены, сельские и городские пейзажи), жизненная конкретность мотивов, лаконизм и естественность композиционных решений, четкий рисунок. В 1880-е годы группа распалась, ряд ее членов обратился к импрессионизму.


Марина (франц. marine, итал. marina, от лат. marinus – морской), картина с изображением морских видов и кораблей. Как самостоятельный вид пейзажа марина обособилась в европейском искусстве 17 столетия и пережила свой первый расцвет в творчестве голландских живописцев Я. Порселлиса, Х. Сегерса, В. ван де Велде и др. Среди крупнейших художников 18–19 веков, обращавшихся к жанру марины – К.Ж. Верне во Франции, У. Тёрнер в Великобритании, Кацусика Хокусай в Японии. Художники, работающие в жанре марины, называются маринистами.


Масляная живопись, вид живописи масляными красками, которые готовят растиранием неорганических пигментов в отбеленном льняном (иногда с добавлением орехового и подсолнечного) масле. Масляными красками пишут преимущественно на холсте, а также на дереве, металле, картоне, покрытых специальными грунтами (станковая масляная живопись), или на известковой штукатурке (монументальная масляная живопись). Масляную живопись отличают выразительность и динамика письма; в большей степени, чем какая-либо другая техника живописи, она позволяет достичь на плоскости зрительной иллюзии объема и пространства, богатых цветовых эффектов и глубины тона. До начала 19 века масляная живопись была построена на многократном нанесении красочных (с примесью лаков) слоев и на последующей лакировке поверхности картин. С начала 19 столетия для масляной живописи более характерна манера "алла прима", когда картина или ее фрагмент быстрыми, смелыми мазками выполняется за один сеанс, до полного высыхания красок. Отдельные сведения о масляной живописи встречаются в античных и средневековых источниках. Широкое распространение масляная получила после усовершенствования ее Яном ван Эйком в 1-й половине 15 века.


Миниатюра (франц. miniature, итал. miniatura, от лат. minium – киноварь, сурик, которыми в древности расцвечивались рукописные книги), произведение изобразительного искусства, отличающееся небольшими размерами и особой тонкостью художественных приемов. Первоначально миниатюрами назывались сделанные от руки рисунки, многоцветные иллюстрации гуашью, акварелью, клеевыми и др. красками в рукописных книгах, а также инициалы, заставки рукописей и т.п. Искусство книжной миниатюры, известное уже в Древнем Египте, достигло высокого совершенства в средневековой европейской культуре, в Византии, Грузии, Армении (произведения Тороса Рослина и др. мастеров киликийской школы), в Средней Азии, Иране, Азербайджане, Индии (творчество миниатюристов гератской школы, тебризской школы, исфаханской школы, могольской школы и др. школ). К шедеврам европейской миниатюры, относятся миниатюры, созданные в 15 веке братьями Лимбург и Ж. Фуке. Распространение в Европе книгопечатания способствовало вытеснению миниатюры книжной иллюстрацией.
Название "миниатюра" было перенесено и на портретную живопись малого формата, выполняемую на табакерках, часах, перстнях, в медальонах и т.п. В искусстве портретной миниатюры, зародившемся в итальянской живописи 16 века, выделяются произведения Х. Хольбейна Младшего, выполненные им в Германии и Англии, работы английских миниатюристов Н. Хиллиарда и С. Купера, французских мастеров Ж. Фуке в 16 столетии и Ж.О. Фрагонара в 18 веке. Портретная миниатюра практически исчезла с середины 19 столетия в связи с распространением фотографии.


Могольская школа миниатюры, одна из основных школ средневековой индийской живописи, развивавшаяся при дворе правящей династии Великих Моголов. Стиль Могольской школы сложился на основе местных традиций, под влиянием миниатюры Ирана и Средней Азии, а также при некотором воздействии европейской живописи и графики. Для раннего этапа развития школы (2-я половина 16 – начало 17 века), связанного с творчеством приглашенных в Индию Мир Сеида Али из Тебриза и Абдас-Самада из Шираза, характерны насыщенные действием многофигурные композиции, развернутые на фоне условно и декоративно трактованного пейзажа. В 17 столетии основными жанрами Могольской школы становятся портрет и изображение цветов, зверей, птиц.


Моделировка (от франц. modeler – лепить), передача, выявление объема, пластики, пространственных свойств изображаемых предметов и фигур посредством светотени (в живописи, графике) или с помощью соответствующей обработки трехмерных форм (в скульптуре).


Монохромия (от греч. monos – один и chroma – цвет; буквально – одноцветность), способ колористического решения произведения искусства, основанный на употреблении одного тона какого-либо цвета или его тональных градаций.


Мягкий стиль, течение в западноевропейском (преимущественно немецком и чешском) искусстве поздней готики (1380–1430-е годы). Для живописных (работы так называемого Мастера Тршебоньского алтаря, Конрада из Зёста и др.) и скульптурных ("прекрасные Мадонны") произведений "Мягкого стиля" характерны лиризм и эмоциональная насыщенность образов.



Н


Наби, "Набиды" (франц. Nabis – пророки, от древнееврейского наби – пророк), группа художников (живописцы М. Дени, П. Боннар, Э. Вюйяр и др., график Ф. Валлоттон, скульптор А. Майоль), работавших в Париже в конце 1880-х – начале 1900-х годов и создавших под влиянием П. Гогена своеобразный, близкий к символизму вариант стиля модерн, для которого характерны декоративная обобщенность форм, музыкальность ритмов, плоскостность композиции, главенство цветового начала.


Натурализм (франц. naturalisme, от лат. naturalis – природный, естественный), направление в литературе и искусстве, сложившееся в Европе и США в последней трети 19 века и стремившееся к объективно-точному и беспристрастному воспроизведению реальности. Сформировавшийся под воздействием позитивистской философии, натурализм уподоблял художественное познание научному, не доверяя любым формам идеологии. Творчество писателей, приверженцев натурализма (особенно Э. Золя, Э. и Ж. Гонкуров, Г. Гауптмана), оказало непосредственное влияние на Э. Мане, Э. Дега, А. де Тулуз-Лотрека во Франции, К. Менье в Бельгии, М. Либермана в Германии и многих других художников.
В ином, часто употребляемом смысле, натурализм – внешне жизнеподобное воспроизведение реальности, поверхностное изобразительство, пристрастие к достоверно-фактографическому воссозданию мрачных, теневых сторон жизни.


Натюрморт (франц. nature morte, итал. natura morta, буквально – мертвая природа), жанр изобразительного искусства (главным образом станковой живописи и графики), посвященный изображению вещей, окружающих человека, размещенных, как правило, в реальной бытовой среде и композиционно организованных в единую группу. Объектом изображения в натюрморте могут быть также цветы, овощи, фрукты, "дары моря" и т.п.; как дополнение к основному мотиву в композицию натюрморта иногда включаются люди, животные, птицы, насекомые. Воссоздание предметного мира в натюрморте имеет, как правило, самоценное художественное значение, хотя за изображением вещей часто скрывается сложное символическое или аллегорическое содержание, стремление к созданию цепи ассоциаций, так или иначе характеризующих стоящего за набором предметов человека.
Тенденции к возникновению жанра натюрморт возникли в искусстве итальянского и нидерландского Возрождения, в котором культивировалось внимание к конкретно-чувственному воссозданию предметного мира (первый точно передающий облик предметов "Натюрморт" выполнен в 1504 итальянским живописцем Якопо де Барбари; в середине 16 столетия монументальные по композиции натюрморты писал нидерландец П. Артсен). В 17 веке, в эпоху расцвета натюрморта, выделяются своей возвышенной строгостью и внутренней значительностью композиции испанских художников (Ф. Сурбаран и др.), вниманием к передаче фактуры предметов и материалов, тонкостью тональных отношений и цветового строя – "завтраки", "десерты", "битые птицы", аллегорические композиции "суета сует" голлландских мастеров (В. Хеда, П. Клас, А. ван Бейерен. М. де Хондекутер и др.). декоративным размахом, радостным жизнелюбием – "лавки", "рынки", "цветы и фрукты" фламандских живописцев (Ф. Снейдерс, Я. Фейт). Во французском натюрморте 18 столетия, имевшем, как правило, чисто декоративное назначение ("охотничьи" натюрморты Ж.Б. Удри), особое место занимают произведения Ж.Б.С Шардена, отмеченные демократизмом и подлинной человечностью. свободой композиции, тонкостью цветового решения. В 19 веке судьбы натюрморта определяли ведущие мастера живописи, вовлекавшие жанр в борьбу эстетических взглядов и художественных идей (Ф. Гойя, Э. Делакруа, Г. Кубре, Э. Мане и многие др.). К концу 19 столетия новый подъем натюрморта был определен выступлением мастеров постимпрессионизма, для которых мир вещей становится одной из ведущих тем творчества (П. Сезанн, В. ван Гог).


Неоготика, псевдоготика, направление в архитектуре Европы и Сша 2-й половины 18–19 веков, использовавшее архитектурные формы, декор, а в ряде случаев и конструктивные решения готики. Зарождение неоготики (в зодчестве и парковом искусстве Великобритании) было связано с предромантическими веяниями, тягой к естественной живописности, поэтизацией средневековья; к ранним постройкам неоготики относятся искусственные руины, часовни, беседки в английских садах и парках 18 века. Разбуженный романтизмом интерес к национальному прошлому, археологические исследования и точные архитектурные обмеры памятников средневекового зодчества способствовали превращению неоготики в одно из основных течений архитектуры 19 столетия (творчество О. Пьюджина, Дж. Г. Скотта и др. в Великобритании, Э.Э. Виоле-ле-Дюка во Франции, К.Ф. Шинкеля в Германии); неоготическое движение стимулировало во 2-й половине деятельность У. Морриса и прерафаэлитов.


Неоидеализм, направление в немецком искусстве, объединявшее в 1860–1880-е годах, живописца Х. фон Маре, скульптора А. фон Хильдебранда и философа К. Фидлера; к ним примыкали также некоторые другие немецкие художники, в частности А. Фейербах. Полемизируя с академическим эклектизмом, натурализмом, программным реализмом 19 века, неоидеалисты стремились следовать вечным законам красоты, возродить монументальность и пластическую ясность классического искусства. В духе эстетических концепций романтизма они рассматривали искусство как средство преодоления хаоса и "неоформленности" действительности. В то же время основные теоретические положения и художественная практика неоидеализма тесно смыкаются с принципами неоклассицизма.


Неоклассицизм, неоклассика, общее наименование художественных течений 2-й половины 19–20 веков, основывавшихся на следовании традициям искусства античности, Возрождения, классицизма. Возникновение неоклассицизма обусловлено стремлением противопоставить вечные эстетические ценности тревожной и противоречивой реальности, создавать идеально-величавые формы и образы как антитезу стилистическому произволу и декоративной избыточности искусства 19 столетия. В изобразительном искусстве некоторые предвосхищающие неоклассицизм моменты ощутимы уже в творчестве прерафаэлитов в Великобритании, но впервые как относительно целостное явление он проявился в теоретических суждениях и практике мастеров немецкого неоидеализма. Для неоклассицизма конца 19 века характерно сочетание определенных позднеакадемических тенденций с программным следованием принципам греческой архаики, искусства Раннего Возрождения, классицизма, а также тесное соприкосновение со стилистикой символизма и модерна (творчество П. Пюви де Шаванна во Франции, Ф. Ходлера в Швейцарии и др.). Архитектурный неоклассицизм – одно из влиятельных и многообразных явлений художественной культуры 20 столетия. Термин неоклассицизм употребляется также (преимущественно в зарубежном искусствознании) для обозначения классицизма 2-й половины 18–19 веков.


Ню (франц. nu – нагой, раздетый), жанр изобразительного искусства, посвященный изображению нагого, преимущественно женского тела. В классических произведениях искусства ню служат для раскрытия идеальных представлений о женской красоте, овеяны философско-поэтическими ассоциациями (Джорджоне, Тициан, Корреджо, Д. Веласкес), воплощают ценность земного, чувственного бытия (П.П. Рубенс) или интимно-бытовых пластов жизни (Рембрандт); утонченно-грациозные, проникнутые откровенной чувственностью ню характерны для живописи французского рококо (Ф. Буше). В искусстве 19 века трактовка обнаженного женского тела как классического канона красоты присуща произведениям Ж.О.Д. Энгра, полемически заостренная "демифологизация" ню, перемещение модели в современную среду и обстановку – картинам Э. Мане и О. Ренуара.


Нюанс (франц. nuance), оттенок, тонкое различие; в изобразительном искусстве – едва заметный переход одного цветового тона в другой (в живописи) или одной светотеневой градации в другую (в скульптуре, графике). Совокупность оттенков (нюансировка) применяется для более тонкой моделировки изображения.



О


Ордер (от лат. ordo – порядок) архитектурный, определенное сочетание несущих и несомых частей стоечно-балочной конструкции, структура и художественная обработка этих частей. К несущим частям относится колонна с капителью, базой и иногда с пьедесталом, к несомым – архитрав, фриз и карниз, в совокупности составляющие антаблемент. Классическая система ордеров, получивших название от племен и исторических областей, сложилась в зодчестве Древней Греции: лаконичный и мужественный дорический ордер с лишенной базы колонной и капителью, состоящей из круглой подушки (эхина) и квадратной плиты (абака); ионический ордер, со стройной, увенчанной капителью с двумя завитками (волютами) колонной; пышный и торжественный коринфский ордер, для которого характерна нарядная капитель, состоящая из вырезанного из камня пучка листьев аканта, обрамленного небольшими волютами. Модификация дорического ордера – тосканский, ионического и коринфского – композитный. Гибкие и архитектонически ясные ордерные системы, способствующие выявлению логики сооружения, выработка соответствующих человеку архитектурных масштабов, организации пространства, широко применялись (иногда в чисто декоративных целях) в зодчестве Древнего Рима, Возрождения, барокко, классицизма, неоклассицизма и т.д.


Оттенок, градация тона, нюанс. Разнообразие Оттеноков обогащает колорит (в живописи, цветной графике), светотеневую моделировку (в скульптуре, монохромной графике).


Офорт (от франц. eau-forte – "крепкая вода", т.е. азотная кислота), вид гравюры на металле, в которой углубленные формы создаются с помощью травления металла кислотами. При изготовлении офорта рисунок процарапывается стальной иглой на поверхности покрытой кислотоупорным лаком цинковой или медной пластины; после протравки пластины в кислоте на месте царапин образуются углубленные печатающие элементы, которые заполняют краской. Для офорта характерны эмоциональность, живописность, свобода штриха, тонкость светотеневой моделировки.
Первые офорты были выполнены в начале 16 века Д. Хопфером и А. Дюрером в Германии, У. Графом в Швейцарии. Расцвет искусства офорта приходится на 17 век, когда работали создававший виртуозные гравюры Ж. Калло, доведший до совершенства выразительные возможности этой техники Рембрандт, такие значительные офортисты, как Х. Сегерс, А. ван Остаде, П. Поттер, Я. ван Рёйсдал в Голландии, А. ван Дейк во Фландрии, Г. Рени в Италии, Х. Рибера в Испании. Блестящими мастерами офорта в 18 столетии были Дж. Б. Тьеполо и Дж. Б. Пиранези в Италии, А. Ватто, Ф. Буше и Ж.О. Фрагонар во Франции, У. Хогарт в Великобритании. На рубеже 18 и 19 столетий испанец Ф. Гойя создавал свои великие графические серии, используя сочетание офорта с акватинтой. В 19 веке новые возможности офорта открывали Ж.Ф. Милле, К. Коро, Э. Мане, К. Писсарро во Франции, А. Цорн в Швеции, Я.Б. Йонгкинд в Голландии, Дж. Уистлер в США.



П


Падуанская школа, живописная школа, сложившаяся в городе Падуя и сыгравшая значительную роль в становлении искусства Возрождения в Северной Италии. В 14 веке в Падуе работали живописец Джотто и его многочисленные последователи, а также самобытные позднеготические мастера Альтикьеро и Аванцо. К середине 15 столетия здесь сформировалась самостоятельная школа, в которой позднеготические черты сочетались с поисками чеканно-ясной пластической формы; крупнейшим мастером Падуанской школы был А. Мантенья.


Палаццо (итал. palazzo, от лат. palatium – дворец), тип городского дворца-особняка в архитектуре итальянского Возрождения и барокко. Классическое палаццо, сложившееся в 15 веке (преимущественно во Флоренции, в творчестве Ф. Брунеллески, Микелоццо да Бартоломмео и др.), представляло собой 3-этажное (реже 2- или 4-этажное) здание, выходившее фасадом на улицу, композиционным центром которого был внутренний двор, окруженный арочными галереями. С 16 столетия в оформлении фасадов палаццо усилилась роль ордерных элементов и скульптурного декора, общая композиция обрела большую связь с городским окружением и природной средой (постройки Браманте, Рафаэля и др.). В различных областях Италии сложились местные разновидности палаццо.


Палладианство, направление в европейском зодчестве 17–18 веках, развивавшее в рамках классицизма принципы, заложенные в творчестве итальянского архитектора А. Палладио. Созданные им строго упорядоченные и вместе с тем разнообразные по композиции и ордерному декору типы городского дворца, загородной виллы, церкви приобрели широкую популярность среди зодчих, выступавших против архитектурных принципов барокко. В 17 столетии наиболее последовательное выражение палладианство получило в архитектуре Великобритании (И. Джонс) и Голландии (Я. ван Кампен). Расцвет палладианства приходится на 18 век, когда английские (У. Кент, К. Кэмпбелл и др.) и немецкие (Г.В. Кнобельсдорф и др.) зодчие возводили здания, отмеченные строгой простотой и изяществом форм, целесообразностью планировки, органической связью с окружающей средой, в том числе с пейзажными парками.


Панно (франц. panneau, от лат. pannus – кусок ткани), часть стены, выделенная обрамлением (лепной рамой, лентой орнамента и т.п.) и заполненная скульптурными или живописными изображениями; также картина, исполненная маслом, темперой и пр., предназначенная для постоянного (реже временного) украшения определенного участка стены или потолка.


Пастель (франц. pastel, от итал. pastello, уменьшительное от pasta – тесто), живопись сухими, мягкими цветными карандашами без оправы, спрессованными из растертых в порошок пигментов с добавлением камедей, молока, иногда мела, гипса и пр.; также произведение, выполненное в этой технике. Художественный эффект Пастели основан на особой чистоте и мягкости красок, сохраняющих, как правило, первоначальную свежесть нежной, бархатистой поверхности произведения. Работа штрихом, а не мазком сближает технику пастели с графикой.
Происхождение пастели гипотетически относят ко 2-й половине 15 века, но работавшие в этой технике мастера 16–17 столетий (Л. Карраччи, Г. Рени в Италии, Х. Хольбейн Младший в Германии и др.) не переступали традиций чистого графического рисунка. Живописные возможности пастели были реализованы в творчестве таких мастеров 18 века, как М.К. де Латур, Ж.Б.С. Шарден, Ж.Б. Перроно во Франции, А.Р. Менгс в Германии, Ж.Э. Лиотар в Швейцарии. В 19 столетии новые, доступные пастели средства художественной выразительности (богатство фактуры, экспрессивная сила линии) открыл Э. Дега.


Пейзаж (франц. paysage, от pays – страна, местность), жанр изобразительного искусства, в котором основным предметом изображения являются природа, реально существующая или вымышленная местность, города и архитектурные постройки (городской архитектурный пейзаж – ведута), морские виды (марина) и т.п. Часто пейзаж служит фоном в живописных, графических, скульптурных произведениях других жанров. Зарождение пейзажа в европейском искусстве было ознаменовано заменой условных (золотых или орнаментальных) фонов пейзажными, нередко превращающимися в широкую панораму мира (Джотто и А. Лоренцетти в Италии, Я. ван Эйк в Нидерландах, К. Виц и Л. Мозер в Швейцарии и Германии). В искусстве Возрождения формируются предпосылки для появления самостоятельного пейзажного жанра, складывающегося первоначально в графике (А. Дюрер и мастера дунайской школы) и в небольших живописных композициях, где образ природы составляет единственное содержание картины (А. Альтдорфер) либо безраздельно господствует над сценами переднего плана (И. Патинир). В пейзаже барокко Я.П. Рубенс, С. Роза, А. Маньяско) главенствует стихийная мощь природы, в произведениях голландских пейзажистов 17 века, – поэтическое ощущение ее тесной связи с жизнью человека (произведения Я. ван Гойена, Х. Сегерса, Я. ван Рёйсдала, М. Хоббема, Я. Вермера Делфтского и др.). В 18 веке широко распространился видовой городской пейзаж., топографически точный в ведутах Каналетто и Б. Беллотто, тонко-лиричный в картинах Ф. Гварди. Предромантическими веяниями пронизаны пейзажи с изображением руин Ю. Робера, интимно-лирические фоны в картинах Ж.О. Фрагонара и Т. Гейнсборо. В пейзаже 1-й половины 19 столетия преобладали тенденции романтизма (К.Д. Фридрих, Л. Рихтер в Германии, Й.А. Кох в Австрии, У. Тёрнер в Великобритании); одновременно в творчестве Дж. Констебла в Великобритании, раннего К. Коро во Франции, К. Блехена в Германии закладывались основы реалистического пейзажа середины – 2-й половины 19 века: особая чуткость к индивидуальной неповторимости отдельных состояний природы, интерес к проблемам пленэра, к национальному своеобразию ландшафта. Эти черты свойственны произведениям мастеров барбизонской школы, Г. Курбе, Ж.Ф. Милле во Франции, Маккьяйоли в Италии, А. фон Менцеля в Германии, Я.Б. Йонгкинда в Голландии и др. Доминирующее положение занимает пейзаж в творчестве мастеров французского импрессионизма (К. Моне, К. Писсарро, А. Сислей); на рубеже 19 и 20 веков П. Сезанн утверждал в своих пейзажах монументальную мощь и конструктивную структурность естественных ландшафтов, В. ван Гог стремился к нередко трагической психологической ассоциативности пейзажных образов, П. Гоген радикально переосмыслял образ идиллического пейзажа.


Перспектива (франц. perspective, от лат. perspicio – ясно вижу), система изображения объемных тел на плоскости, передающая их собственную пространственную структуру и расположение в пространстве, в том числе удаленность от наблюдателя. В зависимости от принятой в ту или иную эпоху системы пространственного видения перспектива принимала различные исторические формы: так называемая рыбья кость в античном изобразительном искусстве, так называемая обратная перспектива в средневековом искусстве Европы и Византии, так называемая параллельная перспектива в живописи Китая и Японии. Усиленное внимание к упорядочению пространственных построений в эпоху Возрождения, интерес его мастеров к объемности и материальности пространственных форм способствовали превращению идеи научно обоснованной, адекватной зрительному восприятию перспективы в одну из главных художественных проблем времени. Последовательная система линейной или прямой перспективы, рассчитанная на фиксированную точку зрения и предполагающая единую точку схода на линии горизонта и пропорциональное уменьшение предметов по мере их удаления от переднего плана, разрабатывалась итальянскими мастерами 15 века (Ф. Брунеллески, Л.Б. Альберти, Мазаччо, Пьеро делла Франческа, П. Уччелло), художниками Нидерландов и Германии (братья Х. и Я. ван Эйки, А. Дюрер). Леонардо да Винчи обосновал принципы воздушной и цветовой перспективы, т.е. законы влияния воздушной среды на четкость очертаний предметов и насыщенность колорита. В эпоху барокко перспектива обогатилась сложными ракурсами, предполагающими необычные (в том числе сильно пониженные или повышенные) точки зрения.
В конце 19 – начале 20 веков некоторые художники, осознавшие формализм многих моментов линейной перспективы (обязательная неподвижность точки зрения, отсутствие корректировок на бифокальность зрения и т.д.), использовали так называемую сферическую перспективу (несколько точек зрения, наклон вертикальных осей к центру, разворот плоскостей к переднему плану в произведениях П. Сезанна).


Платереско (исп. plateresco, от platero – ювелир), архитектурный стиль испанского Возрождения. Основой стиля, возникшего в конце 15 столетия, стало тончайшее архитектурное узорочье, имеющее плоскостно-ковровый характер. Не затрагивая конструктивную основу зданий, декор платереско первоначально накладывался на позднеготические, а позднее – на ренессансные формы. С 1530 годов в платереско проникает все больше орнаментальных мотивов итальянского ренессанса (гирлянды, медальоны и т.п.), а также ордерных элементов, вносящих определенную упорядоченность в декор, но не нарушающих общего впечатления нарядной живописности. Во 2-й половине 16 века в большинстве районов Испании платереско вытесняется суровым стилем "десорнаментадо" (или "эрререско"), созданным архитектором Ф. де Эррерой Старшим.


Плафон (от франц. plafond – потолок), в широком смысле – любое (плоское, сводчатое или купольное) перекрытие какого-либо помещения. В более узком смысле – произведение монументально-декоративной живописи и скульптуры, украшающее подобное перекрытие. Живописные плафоны исполнялись непосредственно на перекрытии (в технике фрески, масляной, клеевой живописи и т.п.) или на прикрепляемом к потолку холсте (панно). Как часть декоративного убранства церквей и парадных дворцовых помещений живописные и скульптурные плафоны получили широкое распространение в европейском искусстве 17 – 19 веков.


Пленэр (франц. plein air, буквально – открытый воздух), термин, обозначающий передачу в картине богатства изменений цвета, обусловленного воздействием солнечного света и окружающей атмосферы. Пленэрная живопись сложилась в результате работы художников не в мастерской, а на открытом воздухе, что давало возможность восприятия натуры в условиях естественного освещения. Систематическая работа на пленэре вошла в художественную практику в 1-й половине 19 века (Дж. Констебл в Великобритании), в середине 19 века приверженцами пленэра выступили К. Корои мастера барбизонской школы во Франции. Наиболее полное воплощение принципы пленэра нашли во 2-й половине 19 столетия в творчестве мастеров импрессионизма – К. Моне, К. Писсарро, О. Ренуара и др.


Полиптих (от греч. polyptychos – состоящий из многих складок или дощечек), многостворчатый живописный или рельефный складень либо несколько картин, связанных общим замыслом, а также единством цветового и композиционного строя.



Р


Ракурс (франц. raccourci – сокращение, укорачивание), перспективное сокращение изображенных предметов. В декоративных росписях ракурсы (часто необычные, обусловленные очень высокой или очень низкой точками зрения) используются для наиболее эффектной передачи бурного движения и иллюзионистически построенного пространства.


Реализм (от позднелат. realis – вещественный, действенный), в широком смысле – объективно-предметное отражение действительности специфическими средствами, присущими тому или иному виду художественного творчества. Существенная черта реализма – убежденность в познаваемости существенных сторон реального мира средствами искусства. В изобразительном искусстве, специфика художественных средств которого дает возможность создавать картину реально зримых форм предметной действительности, различные элементы и тенденции реализма можно выделить, начиная с эпохи первобытного искусства. В более узком, конкретно-историческом смысле понятие реализм прилагается к художественным явлениям, возникшим не ранее 17 века. Таковы реализм голландской живописи 17 столетия (в особенности творчество Рембрандта и Ф. Халса) и испанца Д. Веласкеса, связанный с идеологией "третьего сословия" так называемый просветительский реализм 18 века (Ж.Б.С. Шарден, Ж.А. Гудон во Франции, У. Хогарт в Великобритании), демократически ориентированный реализм 19 столетия, проявившийся в пейзажной (Дж. Констебл в Великобритании, К. Коро и мастера барбизонской школы во Франции и др.), жанровой (Г. Курбе и Ж.Б. Милле во Франции, А. фон Менцель в Германии и др.), исторической (Э. Месонье во Франции, Я. Матейко в Польше) и портретной (В. Лейбль в Германии. Дж. Сарджент и Т. Эйкинс в США) живописи, в графике (О. Домье во Франции) и скульптуре (К. Менье в Бельгии).


Резцовая гравюра, старейшая разновидность гравюры на металле (преимущественно меди), в которой углубленные элементы печатной формы прорезаются с помощью тонкого стального резца – штихеля. Зародившееся в сфере деятельности оружейников и ювелиров (как еще примитивная техника для размножения образцов резьбы по металлу), искусство резцовая гравюра совершенствовалось и достигло расцвета к концу 15 века в творчестве М. Шонгауэра и А. Дюрера в Германии, А. Поллайоло, А. Мантеньи и М. Раймонди в Италии, в 16 столетии – в работах нидерландского гравера Луки Лейденского и др. Для техники резцовой гравюры характерна строгая ритмика линий, образующих параллельные ряды или косую сетку; четкие штрихи точно очерчивают и моделируют форму, а их частота и насыщенность передают светотеневые градации. Однако известная ограниченность художественных возможностей резцовой гравюры (в частности, в передаче световоздушной среды, живого многообразия природы и т.п.), ее исключительная трудоемкость привели в 17 веке к торжеству в гравюре техники офорта и его разновидностей; областью применения резцовой гравюры вплоть до 19 столетия осталось исполнение географических карт, видов городов, научных иллюстраций, а также репродуцирование произведений живописи, скульптуры, архитектуры.


Рельеф (франц. relief, от итал. relevo– поднимаю), скульптурное изображение на плоскости. Присущие рельефу выразительные средства – развертывание композиции на плоскости, возможность перспективного построения пространственных планов и создания пространственных иллюзий – позволяют воспроизводить в рельефе сложные многофигурные сцены, архитектурные и пейзажные мотивы. По отношению изображения к плоскости фона различают рельеф углубленный (в том числе койланоглиф или "анкрё", т.е. вырезанный на плоскости контур) и выпуклый, главными разновидностями которого являются барельеф и горельеф (так называемый высокий рельеф, в котором изображение выступает над плоскостью фона более чем на половину своего объема).


Ретабло (исп. retablo, от лат. reto – за, позади и tabula – доска), деревянный, алебастровый или мраморный заалтарный образ больших размеров в испанском и латиноамериканском искусстве 15–18 веков; украшался фигурной и орнаментальной скульптурой, иногда с включением живописных изображений.


Рефлекс (от лат. reflexus – обращенный, отраженный), в живописи, реже в графике отсвет цвета и света на каком-либо предмете, возникающий в тех случаях, когда на этот предмет падает отсвет от окружающих объектов (соседних предметов, неба и т.д.), Точное и тонкое воспроизведение рефлекса способствует передаче объема, богатства цветов и оттенков изображаемой натуры в их сложной взаимосвязи.


Романизм (от лат. romanus – римский), направление в нидерландском искусстве 16 века. Мастера романизма (Я. Госсарт, Я. ван Скорел, Б. ван Орлей, М. ван Хемскерк, Л. Ломбард и др.) под влиянием искусства итальянского Возрождения и маньеризма настойчиво пытались соединить с нидерландской живописной традицией ренессансные открытия в области композиции, перспективы, анатомии, колорита, тематики (античная мифология, аллегорические сюжеты, обнаженная натура), Многие из них, представляя собой новый тип художника-ученого, сочетавшего живопись с занятиями архитектурой, археологией, филологией (Скорел и др.), способствовали распространению в Нидерландах идей гуманизма; в то же время художественная практика романистов не лишена элементов эклектизма.


Романский стиль, художественный стиль, господствовавший в искусстве Западной Европы (также в некоторых странах Восточной Европы) в основном в 10–12 веках. Главная роль в Романском стиле отводилась суровой, крепостного вида архитектуре. Монастырские комплексы, храмы, замки располагались, как правило, на возвышенных местах и господствовали над местностью; их наружный облик отличался монолитной цельностью, был исполнен спокойной и торжественнои силы, подчеркнутой массивностью стен, стереометричностью объемов, мерным ритмом простого по формам архитектурного декора. Внутри здания Романского стиля делились на отдельные пространственные ячейки, перекрытые сводами (иногда куполами) на полуциркульных арках. В изобразительном искусстве главное место занимали монументальные рельефы на порталах храмов и резные капители колонн, а также книжная миниатюра, получившая в эту эпоху значительное развитие. Высокого уровня достигло декоративно-прикладное искусство Романского стиля – литье, чеканка, резьба по кости, эмальерное дело и т.п. С середины 12 столетия Романский стиль начинает вытесняться зародившейся во Франции и Англии готикой. В 19 веке романское зодчество становится объектом подражания и стилизации в эклектической архитектуре Европы и США (постройки Г.Х. Ричардсона и др.).



С


Салонное искусство (от "салонов" – официальных художественных выставок во Франции, в 1737–1848 проводившихся в "Квадратном салоне" Лувра), нарицательное обозначение внешней красивости и банальности, бессодержательности или ложной многозначительности, спекулятивной имитации подлинных художественных ценностей. Первоначально относившийся к искусству, пользовавшемуся поддержкой у жюри парижского Салона, со временем термин "Салонное искусство" стал означать соответствие художественной продукции невзыскательным вкусам, ее зависимость от модных поветрий.


Сангина (франц. sanguine, от лат. sanguines– кроваво-красный), карандаши без оправы различных красно-коричневых тонов из каолина и окислов железа. Рисунки Сангиной очень живописны; во время работы ее можно смачивать, что позволяет разнообразить толщину и плотность штриха, удалять неудачные линии. Известная с эпохи Возрождения (рисунки Леонардо да Винчи, Рафаэля и др.), техника сангины получила большое распространение в 17–18 веках (рисунки с натуры П.П. Рубенса, А. Ватто ,Ж.О. Фрагонара, Ж.Б.С. Шардена).


Светотень, градации светлого и темного, распределение различных по яркости цветов, позволяющее воспринимать изображаемый предмет объемным, окруженным световоздушной средой. Теория светотени, к возможностям которой прибегали уже античные живописцы, разрабатывалась мастерами итальянского Возрождения, в том числе Леонардо да Винчи.


Севильская школа, одна из основных художественных школ Испании с центром в городе Севилья. Стремление к чувственно-достоверной передаче действительности, сказавшееся уже в севильской живописи 15 – начала 16 веков, ярко проявилось в конце 16 – 1-й половины 17 столетий (произведения Ф. де Эрреры Старшего, Ф. Пачеко и др.). Для Севильской школы эпохи расцвета (творчество Д. Веласкеса, Ф. Сурбарана, Б.Э. Мурильо) характерны глубокий демократизм образов, конкретность художественного языка, внимание к проблемам колорита и светотени.


Сепия (лат. sepia, от греч. sepia – каракатица), светло-коричневое красящее вещество. Натуральная сепия изготовлялась из чернильного мешка морского моллюска – сепии. сепией именуется также распространенный с середины 18 века вид графической техники, рисование пером или кистью с использованием этой краски (произведения Ж.О. Фрагонара и др.).


Сиенская школа, одна из художественных школ Италии с центром в городе Сиена. Сложившаяся в 13 веке, Сиенская школа исходила из традиций итало-византийской и готической живописи. В период расцвета школы в 13 – 1-й половине 14 столетий ее мастера (Дуччо ди Буонинсенья, Симоне Мартини и др.) создавали произведения, отмеченные одухотворенным лиризмом, эмоциональной насыщенностью мягкого колорита, утонченностью линейного ритма; тесно связана с исканиями Джотто и творчеством флорентийских мастеров Проторенессанса живопись братьев Лоренцетти. В 15 веке важнейшими чертами Сиенской школы оставались утонченный декоративизм, лирическая созерцательность образного строя, атмосфера сказочности. В 16 столетии Сиенская школа постепенно утратила свое ведущее значение.


Стаффаж (нем. Staffage, от staffieren – украшать картины фигурами), фигуры людей и животных, изображаемые в пейзаже для "оживления" ландшафтного вида и имеющие в сравнении с основным мотивом второстепенное значение. стаффаж получил распространение главным образом в живописи 17 века; иногда стаффажные фигуры выполнялись не автором пейзажа, а другими живописцами.


Стилизация, намеренная имитация или свободное истолкование художественного языка какого-либо стиля, характерного для определенного автора, течения, направления, национальной школы и т.п. "Ретроспективистская" стилизация искусства 15 века в творчестве назарейцев в Германии, стилизация классического искусства в произведениях П. Пюви де Шаванна и т.д. В другом смысле стилизация – декоративное обобщение форм с помощью ряда условных приемов, упрощения и обобщения рисунка и абриса, объемных и цветовых соотношений. В декоративном искусстве стилизация – закономерный способ ритмической организации целого, в изобразительное искусство она вносит черты повышенного декоративизма.


Стиль (лат. stilus, stylus от греч. stylos – остроконечная палочка для письма), устойчивое единство образной системы, выразительных средств, характеризующее художественное своеобразие тех или иных совокупностей явлений искусства, будь то крупная художественная эпоха, отдельное художественное направление или манера отдельного художника. В искусствознании особо выделяются исторические стили – этапы развития искусства, когда вырабатывалась цельная система, охватывающая различные виды художественной культуры, обладающая формальным и содержательным единством, создающая единый образно-пластический строй в произведениях архитектуры, скульптуры, живописи, декоративного искусства (романский стиль, готика, Возрождение, барокко, классицизм и др.).


Сфумато (итал. sfumato – затушеванный, буквально – исчезнувший как дым), прием в живописи: смягчение очертаний предметов и фигур, светотеневой моделировки в целом, которое позволяет передать окутывающий их воздух. Прием сфумато как важнейший элемент воздушной перспективы был впервые теоретически обоснован и применен Леонардо да Винчи.



Т


Табернакль (от лат. tabernaculum – шатер), в католических храмах сооружение для хранения предметов поклонения, богато украшенное резьбой и скульптурными изображениями. В архитектуре готики табернаклью именовалась также башнеобразная открытая пристройка (или архитектурно оформленная ниша) для размещения статуй.


Тебризская школа миниатюры, одна из средневосточных школ живописи, развивавшаяся в городе Тебриз на северо-западе Ирана. Первоначально сложилась в конце 13 – начале 14 веков, при дворе монгольских правителей Хулагуидов (ильханов) под сильным влиянием живописи Дальнего Востока. Новый расцвет Тебризской Школы в 16 столетии при династии Сефевидов связан с творчеством выдающихся миниатюристов и каллиграфов – Султана Мухаммеда, Мир Сеид Али, а также Бехзада, возглавившего в 1522 придворную мастерскую-библиотеку; произведения тебризских мастеров этой эпохи выделяются гармоническим единством изобразительного и декоративного начал, трактовкой пейзажа как среды действия персонажей, мажорным звучанием цветового строя.


Тон цветовой, качество цвета, благодаря которому данный цвет отличается от другого (например, красный от синего). В живописи тоном называют также основной оттенок, обобщающий и подчиняющий себе все цвета произведения и сообщающий цельность колориту.


Триптих (от греч. triptychos – тройной, сложенный втрое), трехстворчатый складень или произведение изобразительного искусства, состоящее из трех частей, объединенное общей художественной идеей и часто образующее нерасторжимый ансамбль.


Триумфальная Арка, триумфальные ворота, постоянное или временное монументальное оформление проезда (обычно арочное), торжественное сооружение в честь военных побед и других знаменательных событий. Возникшие в архитектуре Древнего Рима, Триумфальные Арки получили значительное распространение в зодчестве барокко, классицизма, ампира.



У


Уголь, материал для рисования из обожженной липы, ивы и других пород деревьев. В 19 веке получил распространение твердый уголь из спрессованного угольного порошка с добавлением растительного клея. Уголь как художественный материал отличается бархатистостью штриха, возможностью сочетать линию с пятном и тональными эффектами.


Укиё-Э (буквально – образы быстротекущего мира), направление в японской живописи и графике периода Эдо (1614–1868). Ведущими жанрами направления стали "будзин-га" или "изображение красавиц" (в живописи и графике) и "якуся-э" или "изображения актеров" (в графике). В живописи точность внешней характеристики персонажей сочеталась с чертами условной декоративности – золотыми плоскостными фонами, цветовой насыщенностью колоритов и т.д. Для ранних обрезных ксилографий укиё-э (1680–1760-е годы), выполнявшихся сначала с подкраской от руки, а затем с использованием техники многоцветной печати, характерно воплощение здоровой, полнокровной женской красоты (Хисикава Моронобу и др.). На следующем этапе развития гравюры укиё-э (середины 1760-х годов – 1800) расширились ее выразительные возможности, образы красавиц обрели большую утонченность и, одновременно, конкретность (Судзуки Харунобу), получив в поясных портретах Китагава Утамаро характер национального идеала женской красоты. Большой эмоциональности и острой характерности достигли образы актеров в творчестве Тёсюсай Сяраку. Последний период укиё-э (1800–1868) отмечен расцветом пейзажного жанра в творчестве Кацусика Хокусай и Андо Хиросигэ.


Умбрийская школа, живописная школа Италии 13 – начала 16 вв. с центром в городе Перуджа. В творчестве мастеров Умбрийской школы, в конце 14 – начале 15 веков бывшей значительным центром позднеготического итальянского искусства, со 2-й половины 15 столетия возобладали принципы культуры Раннего Возрождения (работы Перуджино, Л. Синьорелли, Пинтуриккьо, раннего Рафаэля). Для Умбрийской школы характерны тонкий лиризм, плавность и музыкальность линейных ритмов, ощущение поэтической гармонии человека и природы, мягкость колористических решений.



Ф


Фактура (от лат. factura – обработка, строение), характер поверхности художественного произведения, возникший в результате ее обработки. В живописи – характер красочного слоя, зависящий от манеры наложения мазков, в скульптуре и произведениях декоративно-прикладного искусства – полированная, шероховатая и т.д. поверхность статуи, рельефа, сосуда и др. Эффекты фактуры наиболее полно выявляют личный почерк, индивидуальную творческую манеру художника.


Феррарская школа, живописная школа Италии эпохи Возрождения с центром в городе Феррара. Центром школы, сложившейся под воздействием А. Мантеньи, Пьеро делла Франческа, отчасти нидерландской живописи, был двор герцогов д'Эсте. Для творчества мастеров Феррарской школы, достигшей расцвета во 2-й половине 15 века (К. Тура, Ф. дель Косса и др.), характерно сочетание позднеготических и раннеренессансных черт, изысканной декоративности и эмоциональной экспрессии образов, выразительной напряженности рисунка и пластической четкости форм. В начале 16 столетия Феррарская школа сближается с венецианской школой, испытывает воздействие римских художников, а к середине 16 века постепенно приходит в упадок.



Х


Харес (4-3 век до н. э.), древнегреческий скульптор и литейщик из Линдоса (Родос), ученик Лисиппа. Создатель колоссальной статуи Гелиоса для гавани в Линдосе (Колосс Родосский) и колоссальной головы этого бога в Риме.


Хиазм (от греч. chiasmos – крестообразное расположение), изображение стоящей человеческой фигуры, в которой тяжесть тела перенесена на одну, опорную ногу; поднявшемуся из-за этого бедру соответствует опущенное плечо, а другому, опущенному бедру – поднятое плечо. Известный уже античным скульпторам, хиазм был заново открыт итальянскими мастерами Раннего Возрождения.


Холмогорская Резная Кость, изделия русского народного художественного промысла. Резьба по кости с древности распространена в селе Холмогоры Архангельской области и прилегающих деревнях. Расцвет промысла — начало 18 века — 1-я половина 19 столетия (гребни, ларцы, кубки, вазы, украшенные сюжетными композициями в технике низкого рельефа, тончайшим ажурным орнаментом). В 1932 основана артель им. М. В. Ломоносова (с 1960 — фабрика).


Холуйская Миниатюра, вид русской народной миниатюрной живописи темперой на лаковых изделиях из папье-маше. Возникла в 1932 в поселении Холуй Ивановской области на основе иконописного промысла (с 1934 — артель, с 1960 — фабрика). Сюжетные композиции (современные, фольклорные, исторические, литературные сюжеты) на фоне пейзажа.


Хор (греч. choros) в архитектуре раннехристианских храмов место перед алтарём, предназначенное для певчих и отделенное оградой от остальной части церкви; позже в западноевропейских странах хором стала называться вся восточная (алтарная) часть церковного здания.


Хрисоэлефантинная скульптура (от греч. chrysos– золото и elephas, родительный падеж elephantos – слоновая кость), скульптура из золота и слоновой кости, пластическая техника, характерная для искусства Древней Греции. Хрисоэлефантинная скульптура (преимущественно колоссальные статуи богов работы Фидия и др.) состояла из деревянного каркаса, на который наклеивали пластины слоновой кости, передававшие обнаженные участки тела; из золота исполнялись волосы и одеяния.


Художественно-исторический Музей (Музей истории искусств), Вена, основан в 1891 году. Собрание восточных и античных древностей, живопись западноевропейских старых мастеров, скульптура, монеты, медали, оружие и другие предметы искусства.


Хэмптон-Корт (Hampton Court), дворец Тюдоров в городке Ричмонд-эпон-Темз, ныне в черте Большого Лондона. Находится на северном берегу реки Темзы. Дворец был построен всесильным кардиналом Т. Уолси, после его опалы король Генрих VIII сделал Хэмптон-Корт своей собственностью.
Здесь был разбит первый в Англии регулярный парк с клумбами, фонтанами и стриженными деревьями. В парке устроен самый знаменитый в мире садовый лабиринт. Королева Виктория подарила его британскому правительству и с тех пор он открыт для публики.



Ц


Царицыно, архитектурный и дворцово-парковый ансамбль (с 1960 в черте города Москва).
В конце 16 века здесь находилась вотчина царицы Ирины Годуновой известное под названием Богородское. В 1589 оно упоминается как «пустошь Черногрязная». В 17 веке эта местность принадлежала боярину Стрешневу, затем Голицыным, а в 1689 после падения царевны Софьи Алексеевны была конфискована государством. За заслуги в турецкой кампании Петр I пожаловал Черную Грязь молдавскому господарю Дмитрию Кантемиру, при котором был построен деревянный дом на «китайский манер». Екатерине II, приехавшей в Москву на торжества по случаю заключения Кючук-Кайнарджийского мира 1774, понравилось местоположение кантемировской усадьбы, в 1775 она была приобретена казной и переименована в Царицыно Село. Строительство «подмосковного Версаля» поручили В. И. Баженову, который уже был академиком трех европейский академий. Он задумал создать в Царицыне ансамбль на основе синтеза русских и классических композиционных принципов с включением готических и псевдоготических деталей, получивших широкое распространение в усадебном зодчестве.
Строительство в Царицыне началось в мае 1776 с трех служебных корпусов и Фигурного моста. В 1778 были завершены Малый дворец и здание, получившее впоследствии название Оперный дом, предназначавшееся для больших приемов. Его главным помещением был большой двухсветный зал, перекрытый цилиндрическим сводом. Симметричный план и спокойный силуэт здания хорошо сочетались с красочным убранством фасадов. Торцовые фасады увенчивали государственные гербы Российской империи, что указывало на общественный характер сооружения. Декор Оперного дома, как и всех сооружений Царицына, основан на сочетании краснокирпичных стен и белокаменных деталей. Тогда же были закончены замечательные по красоте Фигурные ворота, стоящие при входе в «Англинский сад». В 1779 Баженов начал строительство главного дворца, который был закончен в 1782 году.
Центром ансамбля был состоявший из парных двухэтажных павильонов дворец, построенный Баженовым. Из основных запроектированных построек не успели возвести только конюшню и башню с часами. В 1785 после десятилетнего перерыва Екатерина II посетила Царицыно — постройки ей не понравились, несмотря на то что проекты всех сооружений были утверждены ею лично, и она велела их разобрать. Дворец пытались перестроить, однако 6 февраля 1786 последовало распоряжение о его разборке. Через два года приступили к постройке нового дворца по проекту Казакова, который так и не был завершен.


Царственная Книга, иллюстрированная рукопись — копия части Лицевого летописного свода, списка Никоновской летописи. Составлена в 60-80-х годах 16 века. Содержит 1073 миниатюры. Приписки и исправления в тексте сделаны (предположительно) рукой Ивана IV Грозного.


Цветовых Полей живопись или «Колор Филд» (Color Field Painting — живопись цветовых полей), направление в абстрактной живописи 1950-60-х годов. Термин используется для характеристики монохромной живописи, в которой цвет освобожден от формы и композиция строится на перепадах интенсивности тона. Живопись стиля «колор филд» 50-х годов 20 столетия представлена работами И. Келли, Эд. Рейнхардта, в 1960-х — Б. Ньюмена.


Цвингер (Zwinger), дворцовый ансамбль в Дрездене (в Старом городе). Построен в 1711-1722 годах, архитектор М. Д. Пеппельман и скульптор Б. Пермозер. Комплекс состоит из легких павильонов, объединенных галереями с трех сторон двора, сочетает регулярность плана с прихотливостью форм и декора позднего барокко. Во дворе несколько фонтанов. Грот «Купальня нимф» является выдающейся архитектурной достопримечательностью Цвингера. С южной стороны ансамбля находятся Прямые и Коронные ворота, увенчанные королевской позолоченной короной, с северной к нему примыкает пристроенное в 19 веке здание Дрезденской галереи, с западной и восточной — закругленные в виде подковы галереи, опирающиеся на два небольших павильона. В центре между этими галереями расположен Колокольный павильон, на котором установлены часы с колоколами из мейсенского фарфора, играющие каждые четверть часа.


Цвингер (от нем. «клетка») строился в течение 20 лет при Августе II Сильном, по первоначальному плана это должна была быть оранжерея, но план строительства постоянно менялся, и в результате был построен дворцовый ансамбль для празднеств и торжественных церемоний. Во время строительства архитектор Пеппельман несколько раз направлялся в Рим, Вену, Париж для изучения дворцовых сооружений и интерьеров. В 1719 в незаконченном Цвингере состоялась пышная свадьба кронпринца Фридриха Августа, после которой казна была опустошена, и строительство возобновилось в 1722. К 1730 назначение Цвингера изменилось, он стал крупнейшим комплексом естественнонаучных музеев.
В начале 1920-х годов здания Цвингера стали нуждаться в кардинальной реставрации, городские власти собирались его сносить. Один из преподавателей Дрезденской архитектурной школы, Г. Эрмиш, вместе со своими учениками добился решения на восстановление Цвингера и занимался этим проектом в течение 15 лет. К 1940 здание было восстановлено, но было почти целиком разрушено в 1945 в результате бомбардировок англо-американской авиации. В 1955-1964 Цвингер вновь реставрировался при деятельном участии Архитектурной школы во главе с Г. Эрмишем.
В Цвингере находится несколько музеев: в том числе Дрезденская галерея («Галерея старых мастеров»: полотна Рафаэля, Джорджоне, Боттичелли, Рембрандта, Рубенса, Ван Дейка, Кранаха, Дюрера и других выдающихся живописцев), музей фарфора, олова, Исторический музей (старинное оружие и доспехи), Физико-математический салон (старинные измерительные приборы).


Целла или Наос (греч. naos), главное помещение (святилище) античного храма, где находилось скульптурное изображение божества.



Ч


Часовня, в архитектуре небольшая христианская культовая постройка без помещения для алтаря.
Мировую известность приобрела купольная часовня-ротонда Темпьетто архитектора эпохи Возрождения Донато Браманте во дворе монастыря Сан-Пьетро ин Монторио в Риме (1502). В этой небольшой часовне, окруженной дорической колоннадой и расчлененной в обоих ярусах полукруглыми нишами, Браманте достиг наибольшей пластической цельности и ясности. Поиски Браманте совершенного центрического сооружения во многом были восприняты Рафаэлем и другими итальянскими архитекторами.


Чеканка:

1) отделочная операция объемной штамповки — обжатие изделия в чистовом штампе для повышения точности размеров и качества поверхности (например, при изготовлении монет, медалей, точных деталей);
2) Получение рельефных изображений на тонких металлических листах (главным образом медных) путем ручной выколотки;
3) Отделка поверхности изделий художественного литья с целью устранения мелких дефектов.


Ченстоховская Икона Божией Матери (Одигитрия), одна из древнейших чудотворных икон типа Одигитрии. Принесена в Галицкую Русь из Византии в 12 веке; в конце 14 столетия после присоединения русских земель к Польше стала святыней католического Ясногорского монастыря в Ченстохове. История почитания иконы в Галицкой Руси неизвестна. В первой половине 14 века в Ченстоховском монастыре было составлено сказание о Ченстоховской иконе, согласно которому предыстория отождествляла ее с константинопольской Одигитрией. В 1430 икона была повреждена иконоборцами-таборитами; в 1434 образ заново написали на старой доске в стиле западной живописи. На правой щеке Богоматери изображена кровоточащая рана, передающая след, оставшийся на древнем образе от удара саблей. Ченстоховская икона почитается в западнорусских православных землях и в католическом мире; имеется много чтимых списков Ченстоховской иконы, хранящихся в православных и католических храмах. Празднование в России — 6 (19) марта, в католическом мире — 27 августа (9 сентября).


Чернение, создание на поверхности металлических изделий тонкой оксидной (сталь, чугун) или сульфидной (серебро) пленки. Чернение стали — разновидность воронения.


Четверик, в русской и украинской архитектуре (преимущественно 17-18 века) четырехгранное в плане сооружение или его часть. В композициях многих шатровых и ярусных храмов сочетается с восьмигранной частью («восьмерик на четверик»).


Четыре Искусства, общество художников (1924-1931) в Москве. Включало главным образом бывших членов «Мира искусства» и «Голубой розы» — живописцев, графиков, скульпторов и архитекторов (Л. А. Бруни, И. В. Клюн, А. П. Остроумова-Лебедева, К. С. Петров-Водкин, В. А. Фаворский, И. В. Жолтовский, А. И. Кравченко, П. В. Кузнецов, А. Т. Матвеев, В. И. Мухина, М. С. Сарьян, А. В. Щусев). Члены общества стремились к высокому профессиональному мастерству, эмоциональной реалистической передаче действительности в изобразительном искусстве; разрабатывали принципы современного градостроительства. Общество организовывало выставки в Москве (1925, 1926, 1929) и Ленинграде (1928).



Ш


Школа в искусстве, художественное направление, течение, представленное группой учеников или последователей какого-либо художника (например, школа Караваджо или караваджизм) либо группой художников, близких по творческим принципам и художественной манере (барбизонская школа). Понятие "школа" применяется также к искусству, локализованному в определенном городе или регионе, если его своеобразие ярко выражено и имеет более или менее точные стилистические и хронологические границы (например, болонская школа, умбрийская школа, исфаханская школа). Понятие "национальная школа" прилагается к искусству целой страны или народа, обладающему собственными, отличающими его от других чертами.


Шпалера (нем. Spalier, от итал. spalliera), стенные безворсовые ковры с сюжетными и орнаментальными композициями, вытканные ручным способом в технике так называемого репсового уточного переплетения, дающей характерную для шпалеры рубчатую фактуру. Основными центрами шпалерного производства, развивавшегося в Европе с 12–13 веков, были Париж, Аррас, Турне, с конца 15 столетия – Брюссель, где в начале 16 века была исполнена по картонам Рафаэля серия "Деяния апостолов", а в 17 столетии – серии шпалер по картонам П.П. Рубенса. Крупные художники руководили созданными в 17 веке во Франции большими королевскими мануфактурами, производившими один из видов шпалер – гобелены. Излюбленные темы шпалер 17–18 веков – мифологические и исторические сюжеты, аллегории, охотничьи сцены, пасторали, пейзажи; в 19 столетии шпалеры, как правило, полностью перенимали композицию станковой картины. Возрождение шпалерного искусства началось в середины 20 века на совершенно новых стилистических основаниях.


Штрих (нем. Strich), черта, линия, выполняемая одним движением руки. С помощью штрихов передаются контур и форма фигур и предметов. Определенная система нанесения штрихов, штриховка (при которой штрихи, могут в восприятии сливаться в сплошное тоновое пятно), позволяет передавать светотеневые градации, достигать впечатления объемности и пластичности формы.



Э


Эклектизм (от греч. eklektikos – способный выбирать, выбирающий), соединение разнородных художественных элементов в одной композиции или стилевой системе. К эклектизму тяготели, например, мастера болонской школы в Италии, полагавшие, что могут достичь совершенства, соединяя лучшие стороны творчества великих мастеров Возрождения. В истории искусства наиболее заметное место занимает эклектизм архитектуры середины – 2-й половины 19 века, чрезвычайно широко использовавший формы различных "исторических стилей" (романского стиля, готики, Ренессанса, барокко, рококо и др.). В сфере изобразительного искусства эклектизм наиболее характерен для салонного искусства.


Эскиз (франц. esquisse), предварительный набросок, фиксирующий замысел художественного произведения или его отдельной части. В эскизе намечаются композиционное построение, пространственные планы, основные цветовые соотношения будущего произведения. эскизы бывают графические, живописные, скульптурные и обычно отличаются свободой, беглой манерой исполнения, но могут быть и детально проработанными.


Этюд (франц. etude, буквально – изучение), произведение, выполненное с натуры с целью ее изучения. Живописный, графический, скульптурный этюд часто служит подготовительным материалом при работе над картиной, скульптурой, законченным произведением графики.



Ю


Ювелирное искусство (от нем. Juwel или голл. juweel — драгоценный камень), изготовление художественных изделий (личных украшений, предметов быта, культа, вооружения) преимущественно из драгоценных (золота, серебра, платины), а также некоторых других цветных металлов. Часто в этих изделиях металлы выступают в сочетании с драгоценными и поделочными камнями, а также перламутром и др. Ювелирное искусство подчеркивает красоту исходного материала и изысканность его обработки.
В ювелирном искусстве применяется различная техника изготовления: ковка, литье, художественная чеканка и канфаренье (придание металлической поверхности зернистости и матовости при помощи чекана в виде тупого шила или трубочки), тиснение (басма), резьба или гравировка, оброн (техника, при которой фон вокруг рисунка вырезается), скань (филигрань), зернь, чернь, эмали (финифть), инкрустация, травление, полировка, а также механические приемы обработки — штамповка, вальцовка.
Ювелирное искусство — один из самых древних и распространенных видов декоративно-прикладного искусства. Поскольку оно всегда было тесно связано с меняющимися условиями быта (например, со стилями одежды), ювелирные изделия выступали в роли своеобразных знаков, выявляющих социальный статус их владельца; в функции амулетов они имели магический смысл (уже в древности драгоценным камням и металлам приписывалось мистическое влияние). В ходе исторического развития социально-престижное значение изделий ювелирного искусства постепенно начинает преобладать над религиозно-мистической функцией. В древности в ювелирном искусстве на широком пространстве обитаемых земель доминировал звериный стиль, причем наиболее распространены были изображения скачущих, борющихся животных и птиц, фантастических существ. Стиль этот существовал на протяжении нескольких тысячелетий. В России наиболее известны образцы этого стиля из сокровищ древних скифов.
В Древнем Египте первые образцы звериного стиля относят к 3 тысячелетию до н. э. Древнеегипетское ювелирное искусство находилось на высокой ступени развития. Оно отличалось любовью к ярким полихромным эффектам. В качестве материалов главным образом использовались золото, лазурит, аметист, бронза, яшма, обсидиан и изумруды. Применялась чеканка, гравировка, а также холодная эмаль (включение кубиков стеклянной пасты и цветных камней между золотыми перегородками).
Пристрастие к яркой полихромии, широкое использование лазурита и техники холодной эмали особо характерно для ювелирных изделий Месопотамии (Аккад, Ассирия, Вавилония, Шумер).
Ювелирное искусство эгейской культуры, о чем свидетельствуют изделия со сканью и зернью, золотые сосуды с изображением животных, найденные в Микенах и Трое, отличалось сдержанностью цветовых решений, так же можно охарактеризовать и искусство этрусков. На раннем этапе развития древнегреческая культура находилась под влиянием восточных цивилизаций, особенно Древнего Египта. Ее образцы, в частности, представлены в коллекции сокровищ из Трои в Малой Азии, открытых Г. Шлиманом и находящихся ныне в Музее изобразительных искусств им. А. С. Пушкина. В коллекции имеются золотые украшения, церемониальное оружие, украшенные лазуритами, нефритами, сердоликами, янтарем и кораллами.
Если для классического древнегреческого ювелирного искусства (5-4 века до н. э.) важнейшим средством художественных эффектов являлся матовый блеск золота, то в эллинистическом и древнеримском искусстве возобновился интерес к звучной полихромии. Особо славятся эллинистические изделия из серебра. Ювелирное искусство сасанидского Ирана (3-7 века) характеризуется широким распространением сосудов из золота и серебра с чеканными, литыми и гравированными изображениями.
Раннемусульманская культура сначала отличалась сдержанным отношением к предметам роскоши, что сдерживало широкое распространение ювелирных изделий. Но постепенно, впитав в себя традиции древнеиранского и византийского искусства, оно достигло высокого расцвета. Средневековый опыт обработки драгоценных металлов и камней, техника филиграни, инкрустации, черни нашли свое продолжение в народном творчестве Ближнего и Среднего Востока, Северной Африки. Любимый камень мусульманского Востока, о котором сложено немало легенд, — бирюза.
Ювелирные украшения средневековой Индии отличает мастерство в огранке алмазов. Индия была основным источников поступления драгоценных камней на рынки большинства стран. Главным центром торговли драгоценностями была Голконда. В Европу алмазы поступали до 16 века через Венецию, позднее через Амстердам, который и доныне сохранил первенствующее положение на рынке ювелирных алмазов.
Для мастеров средневекового Китая характерна более сдержанная обработка материалов. Они, кроме драгоценных металлов, использовали кораллы, нефрит, янтарь и др. Китайские ювелиры стремились подчеркнуть в них не столько игру света, сколько окраску и природную фактуру, свойственную тому или иному камню. Большое количество первоклассных образцов ювелирного искусства — литых и чеканных золотых украшений с мозаичными орнаментами из бирюзы, кварца, агата и других камней — было найдено при археологическом изучении культур древней Америки. Кроме золота, древними индейцами использовались серебро и платина. Наиболее богатой в этом отношении была Колумбия, где были открыты крупнейшие месторождения изумрудов. Очень высоко ценилась яшма.
Типичными чертами раннесредневекового европейского ювелирного искусства являлось применение техники холодной эмали, крупных кабошонов (округлых неограненных драгоценных камней), которые контрастно соединялись с золотом; а также преобладание в орнаменте мотивов звериного стиля. Причудливые по форме подвески, фибулы (застежки), поясные пряжки времен правления Меровингов (5-8 века) украшены альмандинами и гранатами и сохраняют отпечаток присущей варварским народам любви к многоцветности. В романский период в Европе начинает развиваться производство эмалей.
Византийское ювелирное искусство славилось своими распятиями, чеканными литургическими сосудами, окладами и другими предметами культа, которые часто украшались тончайшей перегородчатой эмалью. В работах византийских ювелиров широкое распространение получило сочетание золота или позолоченного серебра с алмазами, бирюзой, рубинами, изумрудами, жемчугом. С этой гаммой прекрасно сочетались эмали, благородство и точность отделки рисунка которых сближают их с книжными миниатюрами.
В работах византийских мастеров 4-8 веков традиции античного искусства органично сплетаются с орнаментальностью и обилием цвета, характерным для художественных традиций Востока. Эмали, чернение, золотая насечка оправ дополняют роскошные тонкостенные сосуды из резного камня, предметы культа и украшения, изобилующие кабошонами цветных камней и жемчугом. Известны превосходные камеи на поделочных камнях, выполненные византийскими резчиками.
В произведениях романского и готического ювелирного искусства величественная пышность цветовых созвучий всегда сочеталась со строгой архитектонической композицией, которая иногда повторяла формы церковного зодчества. Часто применялись редкие породы дерева и горный хрусталь. Самоцветы из месторождений Саксонии, Богемии и Моравии служили материалом для развивающихся художественных промыслов в Идар-Оберштайне (Германия) и Среднечешских горах.
Мастерами эпохи Возрождения были созданы великолепные изделия: серебряные сосуды с рельефными многофигурными сценами, подвески с эмалью на рельефе, резные камни. В этих произведениях ювелирного искусства исходные свойства драгоценных материалов отступают на задний план перед стремлением подчеркнуть изысканность обработки. Ювелирные и камнерезные изделия эпохи Возрождения отмечены завершенностью композиций, фантазией, их отделка — тщательностью проработки. К созданию ювелирных украшений в конце 15 — 16 веках обращались А. Дюрер, Х. Хольбейн-младший, Бенвенуто Челлини. Среди излюбленных типов ювелирных изделий Возрождения — нагрудные подвески и украшения к шляпам. Часто материалом для них служил кабошон неправильной формы или причудливая жемчужина. В эпоху правления Медичи расцветает камнерезное искусство и искусство флорентийской мозаики. Во Франции прославилась школа лиможской эмали. В Германии в этот период в ювелирных изделиях применяются, помимо драгоценных камней, скорлупа кокосового и других экзотических орехов, страусовые яйца, раковины наутилусов. Большой любовью в Германии пользовались жемчуг и кораллы с перламутром.
В 17-18 веках возрастает интерес к живописным эффектам, к сложным колористическим сочетаниям эмалей, золота и драгоценных камней, которые нередко покрывают металлическую основу сплошным мерцающим слоем. К шедеврам европейского ювелирного искусства 15-18 веков относятся немецкие серебряные изделия (мастера семейства Ямницер) и эмали (И. М. Динглингер), а также английские серебряные изделия.
Особенно славятся своим мастерством немецкие мастера из Аугсбурга, Нюрнберга и Гамбурга.
С конца 17 века лидирующие позиции в Европе занимает французское ювелирное искусство. В эпоху барокко в моду входят изделия с высоким чеканным рельефом, изысканной резьбой, с яркими самоцветами и жемчугом. В это время начинается производство часов.
Рококо с его стремлением к утонченности придает особое значение ювелирным украшениям в мужском и женском обиходе. В это время складывается ассортимент украшений, в целом не изменившийся до настоящего времени. Модными становятся броши и эгретки в виде букетов, каскадов. Создавая цельный ансамбль, ювелиры изготовляют комплекты украшений — большие и малые парюры. В это время появляется классическая бриллиантовая огранка, и любимым камнем становится бриллиант, который подсвечивают фольгой. В моде были бриллианты с лиловатым, желтоватым и розоватым оттенками. В мужском костюме бриллианты использовались так же широко, как и в женском. В России в это время работают многие иностранные мастера, крупнейший из них — И. Позье — автор императорских корон.
Прихотливая изысканность форм рококо в начале 19 века уступает место строгости классицизма (чеканные изделия Ж. Б. Одио, М. Г. Бьенне — придворных мастеров Наполеона I). Из мужского гардероба практически исчезают украшения с камнями, расцветает производство дорогих табакерок, набалдашников для тростей. На первый план выходит тщательность отделки материала. Некоторое время в моде украшения из мозаики, из поделочных уральских камней.
В середине 19 века производство ювелирных изделий начало механизироваться и стало более массовым. Стали использоваться менее ценные материалы, например, накладное серебро, а вместо драгоценных камней — горный хрусталь, аквамарин, малахит, цветное стекло, искусственные бриллианты (стразы). Большинство изделий ювелирного искусства 19 века тяготеет к эклектичности стиля, против чего в конце 19 — начале 20 веков выступили мастера стиля модерн (например, Р. Лалик во Франции).
Некоторые из мастеров модерна сумели превратить недостатки дешевых материалов в их достоинства, подчеркивающие мастерство и вкус мастера («Тиффани»). Во многих странах модерн дал начало возрождению национальных традиций в искусстве.
Двадцатый век ввел в ювелирное искусство невероятное разнообразие направлений. Огромную роль сыграла модельер-новатор Коко Шанель, смело пропагандировавшая бижутерию. Осваивалось много новых материалов — платина, палладий, анодированный алюминий. Самые пуристические стремления к «дизайнерским» формам без орнамента сосуществуют в двадцатом веке с тенденциями создания ювелирных изделий, которые воскрешают динамику и «текучесть» форм модерна или традиции народного и средневекового искусства. К середине двадцатого века, наряду с орнаментами, имитирующими различные исторические стили, появляются образные решения, отражающие проблематику современной культуры (например, ювелирные композиции на космическую тему).
Ювелирное искусство на территории стран бывшего Советского Союза известно с глубокой древности. Об этом свидетельствуют многочисленные находки археологов в Закавказье, Средней Азии, на Алтае. Золотые украшения и художественные сосуды скифов и сарматов из погребений Причерноморья, Прикубанья, Нижнего Поволжья принадлежат к вершинам мирового искусства. Древнерусское ювелирное искусство отличалось богатством форм. Для киевских ювелиров характерны изделия с перегородчатой эмалью, для Новгорода 11-12 веков — серебряные литургические сосуды и чеканные оклады икон; изделия Владимиро-Суздальской школы (12-13 века) отличались чередованием серебряных и золотых частей. Москва и Суздаль 14-15 веков славились окладами икон и Евангелий, складнями со сканью, чеканкой, басмой, эмалью и литыми изображениями. В 16 столетии, когда Москва стала общерусским центром, стали популярны чернь и эмаль, в 17 веке — эмаль (И. Попов), чеканка (Г. Овдокимов), резьба по металлу (В. Андреев, А. Трухменский) чернь (М. Агеев, П. Иванов). В 17 веке получили развитие и многочисленные школы древнерусского ювелирного искусства: усольская (мастерские Строгановых), ярославская.
Русское ювелирное искусство 18 века, центром которого стал Петербург, начало развиваться в русле общеевропейских художественных стилей. Однако сохранялись и национальные русские особенности. В 18 веке появляется великоустюжское чернение по серебру. В 19 веке в Москве и Петербурге возникают крупные фабричные предприятия серебряного и золотого дела. Особо славились предприятия П. Ф. Сазикова(серебряная скульптура), П. А. Овчинникова (эмали в древнерусском стиле), И. И. Хлебникова (эмали, чеканные изделия), а в начале 20 века — фирма Оловянишниковых. Мировую известность получила фирма Фаберже, которая изготавливала высококачественные ювелирные изделия (эмаль на золоте, фигурки из полудрагоценных камней), а также мастерские, работавшие по ее заказам (М. Перхина). Для русского монархического двора работали также мастера фирмы «Болин».



Я


Якобсен (Jacobsen) Арне (1902-1971), знаменитый датский архитектор, дизайнер. Крупнейший представитель функционализма (здания авиакомпании «САС», 1959-1961, Национальный банк Дании, 1971, Копенгаген).


Янтарная Комната (Янтарный кабинет), принятое в литературе название одного из помещений Большого Екатерининского дворца в Царском Селе (ныне город Пушкин). Основное убранство Янтарной комнаты изготовлено в начале 18 века в Пруссии, в 1716 подарено королем Фридрихом Вильгельмом I Петру I; в 1746 дополнено и смонтировано в Зимнем дворце в Санкт-Петербурге, в 1755 перенесено в Царское Село (архитектор В. В. Растрелли). В годы Великой Отечественной войны убранство Янтарной комнаты вывезено гитлеровцами в Кенигсберг. Дальнейшая судьба неизвестна. В 1979 году начались работы по воссозданию интерьера кабинета под руководством главного архитектора Екатерининского дворца Александра Кедринского. 31 мая 2003 года во время празднования 300-летия Санкт-Петербурга состоялось торжественное открытие Янтарной комнаты.

_________________
Шура, пилите гири! Пилите, Шура, пилите.... Они золотые!


Пт янв 10, 2014 22:48:15
Профиль
Показать сообщения за:  Сортировать по:  
Ответить на тему   [ 1 сообщение ] 

Кто сейчас на форуме

Сейчас этот форум просматривают: нет зарегистрированных пользователей и гости: 1


Вы не можете начинать темы
Вы не можете отвечать на сообщения
Вы не можете редактировать свои сообщения
Вы не можете удалять свои сообщения
Вы не можете добавлять вложения

Найти:
Перейти: